Filme mudo

Filmagem no Edison Studios em Nova York, por volta de 1908

Desde a propagação do filme sonoro na década de 1920, um filme sem um acompanhamento de som tecnicamente e mecanicamente preparadas tem sido referido como cinema mudo . A atuação de tais filmes foi contemporânea, quase sem exceção, pelo menos musicalmente acompanhada. Os filmes mudos surgiram na Europa Ocidental e nos Estados Unidos da América no final do século XIX. A base para a produção e reprodução dos primeiros filmes mudos foram as invenções no campo da tecnologia e da fotografia (ver artigo sobre a história do cinema ).

Nos primórdios do cinema , ainda não havia uma forma satisfatória de gravar e reproduzir som e imagem em sincronia. Os filmes foram exibidos perante um público por orquestra, piano ou pianola , gramofone, etc. acompanhados ou reprodutores de fotos foram usados. Os últimos eram pianos que tocavam sozinho e eram fornecidos com efeitos sonoros adicionais que podiam ser acionados manualmente.

Filmes mudos também eram contados com textos inseridos, as legendas . Freqüentemente, um contador de filmes ou explicador acompanhava a apresentação. No entanto, a maior parte da trama e dos sentimentos tiveram que ser transmitidos por meio das imagens do filme. Por esta razão, a atuação dos atores nos primeiros filmes era principalmente física. Os gestos e expressões faciais dos atores, especialmente em dramas, muitas vezes parecem exagerados do ponto de vista atual. Uma vantagem do filme mudo é que ele é universalmente compreensível. A linguagem dos atores não importa, pois ela não pode ser ouvida e as legendas podem ser traduzidas para outras línguas com pouco esforço.

história

Das primeiras exibições de filmes à primeira crise (até 1908)

Primeiras projeções de filme

Um pioneiro da imagem em movimento foi o fotógrafo Chrono Eadweard Muybridge . Sua série de fotos The Horse in Motion , criada em 1878, mostrava a seqüência exata de movimentos de um cavalo a galope.

A primeira exibição internacionalmente conhecida de um curta- metragem rodado foi a apresentação de Roundhay Garden Scene, de Louis Le Prince , fundador da Leeds Technical School of Arts . A sequência de imagens de 2,11 segundos, provavelmente produzida por ele mesmo em 14 de outubro de 1888, retratou quatro pessoas caminhando - no jardim de seus sogros em Roundhay, um subúrbio de Leeds . Le Prince recebeu a patente de sua câmera de lente única em 1888. Ele o desenvolveu a partir de 1886 em experimentos inspirados por seu amigo Louis Jacques Mandé Daguerre .

Em 20 de maio de 1891, o inventor encontrou Thomas Edison na Federação Nacional do Clube de Mulheres, um Kinetographen atrás. A primeira demonstração pública ocorreu em 9 de maio de 1893 no Brooklyn Institute of Arts and Sciences .

As primeiras exibições de filmes no estilo cinema, ou seja, projeções de filmes para um público pagante, aconteceram em 1895: a partir de 20 de maio em Nova York pela família Latham (pai Woodville Latham e filhos Otway e Gray), a partir de 1º de novembro no "inverno de Berlim " Garden " como o último programa Variety número um dos irmãos Skladanowsky e - com maior influência na história do cinema - a partir de 28 de dezembro em Paris dos irmãos Lumière .

O inventado pelos irmãos Lumiere Cinématographe apareceu simultaneamente no filme por meio de uma perfuração de gravação, cópia e reprodução em dentes de aperto antes que a lente fosse guiada. A primeira apresentação de equipamentos e materiais cinematográficos não aconteceu em público: em 22 de março de 1895 , os irmãos Lumière exibiram seu filme Workers Leave the Lumière Works para um público seleto da classe alta da sociedade. A primeira apresentação comercial pública da França ocorreu em 28 de dezembro de 1895: os Lumières exibiram dez de seus curtas-metragens no “Grand Café” de Paris .

Os filmes exibidos nos primeiros dias do cinema mudo tinham, em sua maioria, apenas alguns segundos de duração e mostravam cenas nada espetaculares da vida cotidiana, mas às vezes também continham cenas de piada . No início, eles eram fascinantes por causa de sua simples viabilidade técnica. O interesse por uma encenação mais extensa cresceu apenas anos depois.

Os primeiros anos

Nos primeiros anos do filme, as tiras curtas eram exibidas como parte de revistas em cinemas de variedades e eram reservadas principalmente para a classe média. Os irmãos Lumière fizeram um grande negócio emprestando seus cineastas para showmen em todo o mundo. Quando não conseguiram mais atender à crescente demanda por projetores de filme, eles venderam a patente de fabricação de dispositivos para a empresa Pathé Frères em 1905. Isso resultou na câmera profissional Pathé industriel , lançada em 1908.

Já que os irmãos Lumière viam o filme apenas como um complemento à fotografia - falavam de “fotografia viva” -, eles se limitaram a documentar eventos reais . Nestes filmes, a coroação do czar Nicolau II foi documentada, bem como a alimentação de um bebê ( café da manhã do bebê ) ou a chegada de um trem ( L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat ) . Uma exceção é o filme de humor L'arroseur arrosé , no qual filmaram uma cena recriada pela primeira vez.

O ilusionista e dono do teatro francês Georges Méliès foi o primeiro a reconhecer o potencial narrativo do jovem meio e a rodar filmes exclusivamente encenados. Méliès encontrou truques do cinema para implementar seus temas e cenas fantásticas, e. B. o truque de parada que ainda é usado hoje. Com Die Reise zum Mond (Viagem à Lua) , Méliès conseguiu criar uma das primeiras obras-primas em 1902 que foi feita inteiramente com efeitos de truque. Este filme é frequentemente referido como o primeiro exemplo significativo do gênero de filme de ficção científica .

Mas Méliès sentia-se fortemente comprometido com as regras do teatro, e assim seu vocabulário visual cinematográfico permaneceu em grande parte em um cenário, o plano geral. Isso corresponde ao campo de cenas que um público de teatro vê do palco. Méliès fez desse “estilo” uma prática comum com a ajuda de sua imensa produção cinematográfica e marketing mundial.

O primeiro filme conhecido a quebrar essa regra ( The Little Doctor , 1902, de Arthur Melbourne-Cooper ) foi distribuído pelo britânico George Albert Smith . Foi a primeira vez que você viu o close-up de um gato, o que lançou as bases para uma narrativa cinematográfica. Com mudança de perspectiva, variação do tamanho da imagem e com a montagem que traz essa mudança em ritmo, uma linguagem cinematográfica desenvolvida nos anos seguintes .

O filme de 12 minutos, The Great Train Robbery (1903), de Edwin S. Porter, é considerado o pioneiro do filme narrativo . Neste primeiro faroeste , um assalto a trem é descrito desde a execução até a fuga e o confronto.

O interesse pelo novo meio cinematográfico aumentou imensamente, de modo que surgiu uma nova ideia de mercado: o estabelecimento de cinemas fixos. A queda dos preços dos equipamentos de demonstração também levou os empresários a abrirem cinemas - os chamados Kintöppe (Alemanha) e Nickelodeons (EUA). Com o estabelecimento dos primeiros cinemas permanentes, a demanda por novas gravações de filmes também aumentou. Até agora, as gravações dos vários showmen e empresários do cinema raramente eram alteradas, já que novos e surpresos públicos podiam ser encontrados em todas as cidades, mas a inovação estava em demanda nos primeiros cinemas. Os filmes receberam ação. A maioria das esquetes cômicas ou peças de um ato cresceu nos anos 1900 para uma duração de até quinze minutos, que correspondia à duração máxima de um rolo de filme ( uma bobina ).

A produtora de filmes Biograph Company foi fundada nos EUA em 1895 . Foi lá que DW Griffith fez sua estréia na direção em As Aventuras de Dollie . As principais produtoras cinematográficas, entretanto, foram as francesas Pathé Frères e Gaumont , que descobriram as possibilidades econômicas do cinema antes da virada do século e continuamente abasteciam o mundo inteiro com novos curtas-metragens. Por volta de 1900, no entanto, as primeiras empresas cinematográficas foram estabelecidas em vários outros países - o intercâmbio internacional de filmes começou a florescer e os primeiros distribuidores de filmes foram criados para poder fornecer filmes a preços acessíveis para o número cada vez maior de cinemas. preços. O cinema tornou-se assim uma diversão popular para as grandes massas. Nos Estados Unidos, o preço inicial era de apenas cinco centavos (um níquel , daí o termo Nickelodeon). Vocês se sentaram juntos no escuro e finalmente tiveram um vislumbre do mundo dos ricos e belos, do qual antes eram excluídos.

Primeira crise e suas consequências para a arte cinematográfica

Em 1907/1908 houve uma crise no cinema pela primeira vez. O número de visitantes caiu porque as produções, muitas vezes menos imaginativas e curtas, perderam seu atrativo. Pela primeira vez, tratou -se da teoria do cinema e da linguagem cinematográfica. A França respondeu a isso orientando-se para modelos literários contemporâneos. As produções ficaram mais longas e passaram a lidar com histórias mais complexas. Essa inovação francesa foi chamada de " Film d'Art " e foi copiada em muitos países ao redor do mundo. Em países de língua alemã, a literatura de língua alemã foi usada como um guia - especialmente peças de teatro folclóricas . Formalmente, o teatro era orientado para o teatro, de forma que as forças específicas do meio cinematográfico não entrassem em jogo. Artisticamente era um beco sem saída, mas foi possível ampliar o público com a contratação de autores consagrados. A indústria do cinema de arte vienense já fazia referência a esses filmes em seu nome. A partir de então, atores amadores e conhecidos dos produtores cinematográficos foram substituídos por atores profissionais, que muitas vezes vinham do teatro e ganhavam uma renda adicional como atores de cinema. Por enquanto, dificilmente alguém poderia financiar uma vida atuando sozinho em um filme. Uma das primeiras a fazer isso, no entanto, foi a atriz dinamarquesa Asta Nielsen , que ganhou fama com os filmes dinamarqueses que circulavam amplamente pelo mundo na época e que provavelmente se tornou a primeira estrela do cinema feminino. Até 1914, grandes cinemas em países de língua alemã proibiam seus atores de participar de filmes, pois o cinema representava uma competição para o teatro. Entre as primeiras personalidades do teatro a quebrar esse encanto com produções cinematográficas artisticamente ambiciosas estavam os atores Paul Wegener ( O Estudante de Praga ) e Albert Bassermann ( O Outro ), bem como o diretor Max Reinhardt ( A Ilha dos Abençoados ) em 1912/1913 .

Na Dinamarca e em outros países escandinavos, assim como na França, o cinema já era uma forma de arte reconhecida naquela época. Isso era diferente na área de língua alemã. A burguesia educada era hostil ao cinema. Por um lado, o novo meio questionou as noções tradicionais de arte (idealismo), por outro lado, foi adaptado às necessidades do proletariado e do subproletariado. O cinema inicial era um prazer da classe baixa com características latentemente anarquista-subversivas. Como os filmes mostravam abertamente a ruptura com as convenções morais e morais, os críticos temiam uma "superestimulação da alma" do proletariado, o que poderia levar a uma revolta contra o Estado e as autoridades. Essa linha de argumento persistiu por muito tempo no movimento de reforma do cinema alemão e foi retomada ligeiramente pela educação para a mídia após a Segunda Guerra Mundial .

Foi só em meados da década de 1920 que outras camadas da população desistiram de suas reservas em relação ao cinema, agora principalmente empregados que se encontravam na platéia do cinema. Além disso, as agências de censura estaduais freqüentemente cortavam cenas socialmente críticas ou de “má reputação”. O filme em língua alemã teve seus impulsos decisivos em sua fase inicial de trupes de comédias itinerantes, o cabaré, o bulevar e o teatro difamatório . Aqui eles sabiam como trabalhar as peças e criar tensão. Os primeiros jogos divertidos de filme foram influenciados por Schwank e operetas. Henny Porten se tornou a primeira estrela do cinema alemão . Na Áustria, foi Liane Haid .

Nos anos que se seguiram, os cineastas exploraram gradualmente as possibilidades do cinema. Cenários e decorações ficaram mais elaborados, as ações mais complexas e as demandas técnicas aumentaram, principalmente no que diz respeito à iluminação. Isso tornou a produção de filmes mais cara e poucos podiam pagar por equipamentos técnicos caros. Os cineastas privados, portanto, tinham cada vez menos oportunidades no mercado cinematográfico, e o diretor não era mais o único responsável pelos filmes.

Entre a Primeira Crise e a Primeira Guerra Mundial (1908 a 1918)

Surgimento da indústria cinematográfica dos EUA

Nos Estados Unidos, a indústria cinematográfica explodiu à medida que a fome dos cinéfilos por novos filmes era insaciável. Em 1909, o cinema já era um "grande negócio", nos EUA a indústria se expandia em 25 milhões de dólares por ano. Devido à grande demanda, a maior distribuidora de filmes fundou sob a liderança de Thomas Alva Edison , a Motion Picture Patents Company (MPPC), a fim de manter suas participações de mercado. Eles presumiram que o equipamento técnico era a base sobre a qual o negócio cinematográfico foi construído. Juntos, eles detinham 16 patentes de dispositivos de gravação e demonstração. Ao mesmo tempo, eles assinaram um contrato de exclusividade com a Eastman Kodak , praticamente o único fornecedor de material cinematográfico na época. Além disso, eles usaram um sistema de licenciamento especial para pressionar os operadores de cinema a exibir apenas os filmes de sua produção, se possível. O MPPC desejava conscientemente estabelecer um monopólio.

Para construir esse monopólio, o MPPC sabotou produções de filmes independentes nos Estados Unidos por meio de gangues organizadas apoiadas pela polícia e xerifes. Cinemas foram demolidos, atores espancados e equipamentos confiscados. Os produtores independentes sob a liderança de Carl Laemmle tentaram no entanto realizar seus projetos. O tiroteio foi protegido por pistoleiros. Às vezes, todo o set era filmado em um local diferente a cada dia. A maior parte da indústria cinematográfica americana da época estava baseada em Nova York , onde as cenas descritas acima também ocorreram. Nos anos seguintes, o poder do MPPC começou a ruir e os produtores independentes também puderam operar com sucesso, até que a Suprema Corte dos Estados Unidos tomou uma ação contra o monopólio do MPPC e o dissolveu.

De 1910 em diante, vários cineastas se estabeleceram em Hollywood , incluindo Carl Laemmle, William Fox , Samuel Goldwyn e Adolph Zukor , e estabeleceram as bases para o que mais tarde se tornaria a fábrica dos sonhos. Laemmle, o líder dos produtores de filmes independentes, fundou o primeiro grande estúdio de cinema de Hollywood: a Universal Pictures . A razão para escolher a Califórnia foi, por um lado, a grande distância das guerras territoriais da indústria na costa leste, por outro lado, o clima ensolarado: devido ao material de filme relativamente insensível à luz e o estado da arte da tecnologia de iluminação em Naquela época, a luz do dia era a fonte de iluminação mais importante durante as filmagens. Poucos meses após a fundação do Universal Studios, o Keystone Studios foi lançado sob a liderança do especialista em pastelão Mack Sennett , seguido por uma série de outras empresas de cinema.

Primeiros filmes monumentais

A "arte de contar histórias" foi aperfeiçoada fora dos Estados Unidos na década de 1910. Na Itália, a partir de 1912, novos padrões foram estabelecidos em termos de custos de produção. Uma série de adaptações cinematográficas de clássicos da história literária foram feitas, como A Queda de Tróia , Os Três Mosqueteiros , Fausto , O Saco de Roma , Macbeth , Cabiria (1914) e Quo Vadis? (1913), em que foram usados cenários e figurinos elaborados, bem como cenas de multidão com milhares de figurantes. O mais bem sucedido desses filmes foi Quo Vadis? , que antes da Primeira Guerra Mundial era “considerada a maior obra-prima do mundo; Introduzido na Inglaterra e na América em 1913, trouxe enormes lucros para todos os envolvidos ”. Depois de não ter ousado realizar tais produções, que eram complexas em todos os aspectos, o sucesso da produção italiana agora estimulou outros países a produzirem produções tão monumentais. Os EUA foram os mais bem-sucedidos nesse sentido, onde DW Griffith fez filmes como O Nascimento de uma Nação (1915) e Intolerância (1916), considerados marcos na história do cinema, durante a Primeira Guerra Mundial .

Na primeira guerra mundial

Durante a Primeira Guerra Mundial , as potências centrais , acima de tudo Alemanha e Áustria, isolaram-se em grande parte das importações de filmes das agora parcialmente hostis nações do cinema, acima de tudo da França. Como resultado, a indústria cinematográfica nacional experimentou uma forte recuperação, pelo menos no mercado interno, que também pode ser transportada para o período economicamente difícil do pós-guerra. A vinculação de cenas de filmes dos países vizinhos Áustria e Alemanha, aliados na guerra, também começou aqui. A fortalecida indústria cinematográfica alemã em torno de sua capital, Berlim, tornou-se o local de trabalho de vários cineastas austríacos após a Guerra Mundial. Mas também atores e diretores alemães muitas vezes trabalharam em estúdios de cinema na capital austríaca, Viena, nas duas ou três décadas seguintes.

Com a Primeira Guerra Mundial, o filme também teve uma função adicional: a de propaganda . Já em setembro de 1914, a indústria do cinema de arte vienense relatou com entusiasmo os eventos do front em seu jornal de guerra . Em 1915, uma exposição de filmes foi montada no bairro de imprensa de guerra de Kuk , cuja gestão foi assumida pelo mais importante produtor austríaco da época , Sascha Kolowrat-Krakowsky . Mais noticiários de guerra embelezados e vários filmes de propaganda , como Mit Herz und Hand fürs Vaterland com a estrela dos filmes austríacos, Liane Haid, foram feitos . Na Alemanha, também, as possibilidades do filme para intensificar a guerra foram logo reconhecidas. A Deulig , fundada no final de 1916, pretendia despertar a simpatia da Alemanha no exterior e, com o Image and Film Office (BUFA), um órgão central de controle da produção de filmes propagandísticos também foi criado aqui no início de 1917. Seguiu-se a centralização da produção cinematográfica alemã, para o qual a UFA foi fundada no final da guerra . Após a guerra, ele se tornou uma das mais importantes instalações de produção de filmes do mundo na década de 1920. Mas os oponentes da Alemanha também sabiam como usar o filme como ferramenta de propaganda. Nos Estados Unidos, por exemplo, The Battle Cry of Peace (1915) promoveu a entrada na guerra.

Após a Primeira Guerra Mundial até a Segunda Crise (1918 a 1926)

A ascensão da América para se tornar a maior nação cinematográfica do mundo

Antes da Primeira Guerra Mundial , a França era a produtora cinematográfica mais importante do mundo, pois até 1914 eram feitos mais filmes lá do que nos Estados Unidos. As empresas francesas se concentraram na expansão desde o início e tinham pontos de venda e cinemas em toda a Europa. A guerra isolou as indústrias cinematográficas dos dois sistemas de aliança e reivindicou matérias-primas também necessárias para a produção cinematográfica, o que significou um grande revés para a França produtiva e internacionalmente orientada. Para outros países, como Áustria ou Alemanha, a Primeira Guerra Mundial significou livrar-se da competição estrangeira anteriormente forte. Os produtores de filmes domésticos floresceram literalmente. A qualidade das produções não aumentou na mesma proporção que o número de produções. No início dos anos 1920, isso acabou sendo fatal, já que a indústria cinematográfica americana em rápida expansão, que era economicamente muito mais organizada do que as empresas europeias, agora representava uma competição ameaçadora para o cinema europeu.

As comédias pastelão foram muito populares entre o público desde o início, e o representante mais famoso delas, Charlie Chaplin, teve grande sucesso com esquetes curtos já na década de 1910. Com The Kid (1921), ele fez seu primeiro longa-metragem, que foi seguido por uma série de obras-primas na década de 1920 ( por exemplo, Gold Rush ). Além disso, Buster Keaton era uma estrela do pastelão e famoso por suas expressões faciais imóveis. Seus trabalhos mais importantes incluem Der General (1926) e Steamboat Bill junior (1928).

A fim de permitir que os cineastas participem mais do sucesso econômico de seus filmes, os Artistas Unidos de Charlie Chaplin , Mary Pickford e Douglas Fairbanks sênior, inicialmente atuaram apenas como uma empresa de distribuição, mas posteriormente também como uma produtora . e DW Griffith é fundada.

Cinema de vanguarda

A partir da década de 1910, houve um interesse particular pelo cinema artístico na Europa. A partir disso, a vanguarda do cinema mudo se desenvolveu passo a passo . Alguns estilos particularmente distintos são descritos a seguir.

Na França, o filme vive um apogeu com abordagens artísticas que inicialmente eram baseadas no impressionismo , mas posteriormente tendiam mais para o surrealismo . Artistas como Luis Buñuel e Jean Cocteau moldaram esse estilo com filmes como Um cachorro andaluz (1929).

A vanguarda russa conta com artistas como Sergej Eisenstein , que tiveram uma influência decisiva na montagem cinematográfica . Seu filme mais conhecido Battleship Potemkin (1925) conta a história de uma revolta no navio de mesmo nome e o confronto dos amotinados com o exército russo em Odessa. Algumas cenas do filme, incluindo a cena da escada em Odessa, estão entre as mais citadas da história do cinema.

A russa Dsiga Wertow, por outro lado, foi uma representante do chamado filme absoluto , por meio do qual uma linguagem cinematográfica universal foi propagada sem barreiras linguísticas. Seu trabalho mais famoso é The Man with the Camera (1929), uma imagem em várias camadas de uma cidade russa através dos olhos de um cinegrafista.

O filme expressionista

O filme alemão e austríaco dessa época desenvolveu uma estética especial que se baseava na pintura expressionista . Como o primeiro filme expressionista aplica O Gabinete do Dr. Caligari (1920) de Robert Wiene , cujos elementos de estética cinematográfica expressionista vão desde os personagens sonâmbulos e pinturas de sombras até os cenários distorcidos de ângulos agudos. Outros representantes desse estilo são o filme de terror Nosferatu, uma sinfonia de terror (1922) de Friedrich Wilhelm Murnau e Das Wachsfigurenkabinett (1924) de Paul Leni . Importantes obras expressionistas também vieram da Áustria, onde a pesquisa sobre o patrimônio do cinema mudo começou tarde, razão pela qual muitas áreas dos estudos do cinema não puderam ser processadas adequadamente. Evidência confiável para a integração de elementos do estilo expressionista nos filmes austríacos são as mãos de Orlac de Robert Wiene (1924) e Die Stadt ohne Juden de Hans Karl Breslauer (1924). A época culminou no filme Metrópolis (1927) de Fritz Lang , que também foi um dos primeiros filmes de ficção científica inovadores .

Crise do cinema europeu causada pela ascensão da indústria cinematográfica dos EUA

O cinema mudo europeu passou por sua pior crise em meados da década de 1920. As consequências ainda podem ser sentidas hoje: a dependência dos produtores europeus do financiamento para o cinema e o domínio quase global da indústria cinematográfica dos Estados Unidos. A causa desse desenvolvimento foi principalmente a Primeira Guerra Mundial, que retirou capital da Europa e o direcionou para os Estados Unidos, o que teve um efeito correspondente na capacidade financeira dos produtores cinematográficos. No entanto, a indústria cinematográfica americana não teria se tornado a nação cinematográfica dominante do mundo se não tivesse construído o cinema como um ramo altamente econômico da indústria desde o início. O panorama cinematográfico europeu permaneceu em pequena escala, principalmente devido à relutância dos financiadores. Além da Universum Film (UFA) na Alemanha, não havia grandes grupos de filmes verticalmente integrados que pudessem ser comparados aos americanos. A fraqueza financeira resultante impediu a produção contínua de filmes luxuosos, de primeira classe e repletos de estrelas, a preços competitivos. O fato de isso ter sido possível para as produtoras americanas de cinema se deveu ao fato de que, graças à enorme publicidade e ao uso de todos os instrumentos de marketing conhecidos , elas já conseguiam trazer os custos de produção de seus filmes, que eram customizados para o gosto de massa, nos EUA. Poucos produtores independentes como Charlie Chaplin ousaram fazer filmes que atendessem aos seus próprios padrões artísticos. Para ter sucesso, no entanto, eles também tinham que atender ao gosto das massas.

Como a indústria cinematográfica dos Estados Unidos já era capaz de exibir uma produção anual de 800 ou mais filmes em meados da década de 1920, o que representava quase 90 por cento da produção cinematográfica global e excedia significativamente a demanda total anual de filmes da maioria dos países europeus, isso não significava apenas um deslocamento crescente das produções europeias do mercado europeu, mas também do mercado mundial. Isso, por sua vez, resultou no declínio de vários produtores de filmes europeus. As indústrias cinematográficas britânicas , francesas e italianas foram as primeiras a quase paralisar. Na Grã-Bretanha, o ponto baixo foi atingido em "novembro negro" de 1924, quando nenhum filme estava em produção. Outros grandes produtores cinematográficos da época, como a Áustria e a Dinamarca , foram atingidos de maneira particularmente dura - sua indústria cinematográfica nunca mais alcançou tanta importância internacional como antes. A Alemanha, por outro lado, foi amplamente capaz de prevenir esta crise, uma vez que o grande grupo UFA já havia sido criado pelo estado em 1917 e a lei contingente alemã restringiu severamente a importação de filmes estrangeiros desde o início dos anos 1920 , de modo que cerca de 50 por cento de todos os filmes exibidos na Alemanha vieram da Alemanha. O Japão protegeu com sucesso sua indústria cinematográfica com uma lei de cotas semelhante, e muitos outros países também introduziram cotas de filmes .

Para consolidar sua supremacia, os produtores e distribuidores de filmes americanos também usaram práticas comerciais que iam além dos limites da legalidade, como o “ sistema de bloqueio ” que deveria obrigar os donos de cinema a comprar todos os filmes da produtora. Se um dono de cinema se recusasse a “reservar cegamente” um programa anual inteiro, ele também não poderia jogar os “ sucessos de bilheteria ” da respectiva produtora, o que obviamente teria sido uma enorme desvantagem competitiva, uma vez que tais filmes atraíram mais público . Essa prática comercial só foi gradualmente banida pelos estados europeus: na Alemanha ao mesmo tempo com a lei contingente no início da década de 1920, na Inglaterra apenas em 1927 com a introdução do Quotabill . Todo dono de cinema agora tinha o direito de ver cada filme com antecedência antes de comprá-lo.

Quase por toda a Europa, cineastas e cineastas pediram intervenção política. Na maioria dos países, havia leis em 1926 e 1927 que restringiam a importação de produções americanas ou estrangeiras em geral: restrições de importação, tarifas ou subsídios para produtores nacionais.

A crise na indústria cinematográfica europeia levou o produtor e publicitário britânico L'Estrange Fawcett a se concentrar na indústria cinematográfica de Hollywood em seu trabalho teórico cinematográfico “The World of Films”, publicado pela primeira vez em 1927, a fim de “bombar o cinema europeu produção, que a confiança do cinema americano havia forçado a uma difícil luta pela existência para chamar a atenção para as vantagens e deficiências desses grandes empreendimentos para que possam se inspirar e se beneficiar deles na construção da indústria nacional. A estrutura peculiar da indústria cinematográfica americana nos oferecerá lições bem-vindas neste momento, em um momento em que muitos países da Europa estão começando a reviver suas indústrias cinematográficas, que foram substituídas nos últimos anos por concorrentes excessivamente fortes, com auxílio estatal ou legislativo. ”Ele também mencionou as razões pelas quais o cinema americano conseguiu mergulhar o cinema europeu na crise:“ Na Europa, o cinema sempre foi tratado como um negócio de qualidade inferior; Alguns deles ganharam dinheiro no processo, a maioria deles perdeu, e se você chega a um capitalista europeu com um projeto de filme hoje, ele suspeita desde o início. Desde o início, no entanto, os americanos viram o cinema como um 'grande negócio' que precisa ser monitorado e administrado de forma tão completa quanto qualquer outro negócio em Wall Street. Daí a exploração de todas as possibilidades, a unificação da produção e das vendas por um lado, o enorme aumento das operações de cinema ”.

Transição de filmes mudos para filmes falados (1927 a 1936)

No final dos anos 1920 e início dos anos 1930, o filme mudo foi substituído pelo filme sonoro - também conhecido como "talkie" ou "filme falado". A óptica de som método prevaleceu, em que a banda sonora foi também sobre a fita de película. O período de transição durou cerca de dez anos em todo o mundo. Na China, em particular, os filmes que hoje são considerados clássicos do cinema mudo do país foram feitos na década de 1930. Uma das últimas produções do cinema mudo americano foi o filme bicolor em technicolor Legong: Dance of the Virgins, rodado em Bali em 1935 . Do ponto de vista artístico, o cinema mudo atingiu seu auge a partir de meados da década de 1920. Desde então, Hollywood tem sido o ímã para profissionais internacionais e, como não havia barreiras linguísticas no cinema mudo, uma interação muito frutífera entre a criatividade individual e o conhecimento técnico pôde se desenvolver. Diretores como Victor Sjöström , Mauritz Stiller , Jacques Feyder , Ernst Lubitsch , Paul Leni , Josef von Sternberg , Erich von Stroheim , Harrie d'Abbadie d'Arrast e Maurice Tourneur alcançaram carreiras de sucesso. O mesmo aconteceu com os atores que trabalharam em Hollywood. Exemplos suficientes são: Vilma Bánky da Hungria, Greta Garbo , Lars Hanson e Nils Asther da Suécia, Camilla Horn e Emil Jannings da Alemanha, Pola Negri da Polônia, Alla Nazimova da Rússia e Ramón Novarro do México. Havia tantas estrelas estrangeiras na época que a imprensa cinematográfica nacional dos Estados Unidos já estava publicando artigos xenófobos alertando sobre a infiltração da indústria estrangeira .

Filmes como Hotel Imperial de Mauritz Stiller de 1927 ou Es geht something in Hollywood , uma comédia com Marion Davies de 1928, impressionam pelo alto nível de densidade dramatúrgica e sofisticada tecnologia de apresentação que o filme sonoro só conseguiu alcançar muitos anos depois. Curiosamente, as adaptações para o cinema mudo de operetas populares foram ímãs de bilheteria naqueles anos, começando com The Merry Widow , dirigido por Erich von Stroheim, até The Student Prince, de Ernst Lubitsch. Aparentemente, o público não sentiu falta dos diálogos. As razões para a introdução do som foram, portanto, principalmente econômicas.O número de audiência estagnou com cerca de 55 milhões de telespectadores semanais desde 1926 em um nível médio. O rádio, onde programas, peças de rádio e reportagens esportivas muito populares cativaram uma audiência de milhões, tornou-se cada vez mais a maior competição.

O estúdio Warner Brothers vinha produzindo filmes assistidos por som junto com a empresa Western Electric sob o nome de "Vitaphone" desde meados da década de 1920. O filme Don Juan , que estreou em 6 de agosto de 1926, estrelado pelo famoso ator da Broadway John Barrymore , foi um grande sucesso. Nessas primeiras obras, a trilha sonora corria em paralelo em um meio diferente, muitas vezes em matrizes semelhantes a discos - o chamado processo de agulha - tom . Incentivada pelos sucessos, a Warner Brothers trouxe mais filmes sonoros aos cinemas. A inovação foi a importância integral do diálogo para a trama. Enquanto nas obras anteriores apenas monólogos podiam ser ouvidos, o público agora podia acompanhar conversas reais entre os atores. O início oficial da era do cinema sonoro é 6 de outubro de 1927, quando The Jazzsinger estreou. No entanto, as partes faladas representam apenas um quarto do tempo total de exibição do filme.

O público ficou muito impressionado com a inovação, e os irmãos Warner usaram a curiosidade para produzir mais filmes com diálogos. Graças à forte participação do público, o estúdio se tornou a empresa mais lucrativa da indústria cinematográfica por um tempo e em meados de 1928 produziu Luzes de Nova York, o primeiro filme constituído inteiramente de diálogos. A Warner Brothers rapidamente enfrentou a concorrência de William Fox , o homem mais poderoso na indústria cinematográfica na época. Ele estava prestes a assumir a recém-formada empresa de filmes MGM e reconheceu o potencial que existe na inovação do filme sonoro. A Fox contou com um sistema de som mais promissor do que a Warner. Ele sincronizou a trilha sonora com a trilha do filme em um processo complicado - o sistema de som óptico , desenvolvido por um grupo em torno de Hans Vogt , cujas patentes William Fox comprou. Alguns dos outros estúdios hesitaram muito antes de também ousarem investir no equipamento técnico necessário. Irving Thalberg , chefe de produção da MGM, estava particularmente cético quanto ao futuro da inovação. Somente em meados de 1928, quando os financiadores dos grandes estúdios de Nova York decidiram usar filmes sonoros, a MGM também começou a produzir filmes sonoros. Foi o engenheiro de som Douglas Shearer , irmão da estrela de Hollywood Norma Shearer , que aperfeiçoou o processo de som óptico no qual a trilha sonora é copiada para a trilha do filme. Com o slogan Tudo falando, tudo dançando, tudo cantando, The Broadway Melody foi anunciado em 1929 , que apresentou o novo método pela primeira vez. O filme ganhou o Oscar de Melhor Filme do Ano como segundo filme e estabeleceu a atriz principal Bessie Love como a primeira estrela da nova era.

Por um tempo, os chamados “filmes híbridos” ainda existiram, que apresentavam apenas trechos de diálogos ou efeitos sonoros. Os estúdios ocasionalmente relançavam tiras já estabelecidas que eram fornecidas com efeitos sonoros adicionais. Alguns dos exemplos mais conhecidos incluem Luck in the Attic , The Patriot e The Wedding March . Além disso, uma versão muda do filme foi produzida para os cinemas que ainda não haviam sido convertidos para filmes sonoros. O primeiro filme para o qual isso não foi mais feito foi Wise Girls de 1929. Depois que a MGM também decidiu pelo filme sonoro, o último filme mudo puro da produção americana foi feito no final de 1929 com The Kiss lá. A tecnologia de gravação primitiva tornou necessário que os atores ficassem completamente parados durante seus diálogos e falassem no microfone quase totalmente oculto - os microfones ficavam escondidos dentro ou atrás de todos os objetos decorativos possíveis. Como resultado, a maioria dos primeiros filmes sonoros parece extremamente estática e os atores tensos e imóveis. Somente em 1929 o filme sonoro pôde começar a se aproximar do alto nível artístico que o cinema mudo havia alcançado nos últimos anos. Inovações importantes no caminho para um novo tratamento integrador do tom para o drama da trama foram obras como Aplausos de Rouben Mamoulian , Liebesparade e Monte Carlo de Ernst Lubitsch e In Old Arizona de Irving Cummings , a primeira produção em grande escala fora do estúdio, por assim dizer, foi produzido ao ar livre.

O filme sonoro deu a Hollywood um aumento dramático na audiência, de 55 milhões por semana em 1927 para 155 milhões por semana em 1930, e os lucros do estúdio aumentaram proporcionalmente. Em 1930, quando a mania talkie , a corrida do público em filmes de diálogo, atingiu o pico, Paramount ganhou mais de 18 milhões, o maior lucro que um estúdio já teve. A MGM conseguiu gerar mais de 16 milhões de lucros. Não foi até 1946/1947 que números comparáveis ​​puderam ser alcançados novamente. A inovação naturalmente também trouxe novos gêneros. No início, eram populares os dramas judiciais cheios de diálogos, histórias de crime e comédias de salão. O musical também pôde desenvolver a partir dos primeiros filmes de revista - na Europa os filmes de opereta eram feitos em paralelo, o que, em conexão com o ambiente histórico de Viena durante a era imperial, resultou em um gênero ainda mais especializado: o filme vienense .

A transição para o novo meio causou grandes dificuldades para alguns artistas nos EUA. Estrelas estrangeiras em particular, algumas das quais falavam com um sotaque pesado ou não falavam nenhum inglês, tiveram problemas para manter seu status. Algumas das vítimas mais conhecidas incluem:

  • Pola Negri , cuja carreira declinou continuamente desde 1925. Ela tentou um retorno de filme de som em 1932 com o filme A Woman Commands , mas o público não aceitou seu sotaque, que o estúdio eufemisticamente descreveu como "picante".
  • Vilma Bánky , uma húngara muito popular, cuja pronúncia um crítico descreveu como "uma estranha mistura de Budapeste e Chicago".
  • Emil Jannings , que havia ganhado o primeiro Oscar de melhor ator, mas se rendeu ao desafio do talkie e voltou para a Alemanha.
  • Norma Talmadge provou que mesmo um forte sotaque do Brooklyn pode ser um obstáculo. Sua irmã, Constance Talmadge, parou de fazer filmes sonoros.

Nenhuma regra, sem exceção: Greta Garbo experimentou um aumento de popularidade graças ao filme sonoro. Ela só usou o estúdio no início de 1930 como uma sueca em Anna Christie e ao mesmo tempo anunciava com o slogan “Garbo fala!”. Também Ramon Novarro e Dolores del Rio conseguiram a mudança bem-sucedida para a nova profissão.

Vários astros que já eram populares na época do cinema mudo conseguiram se afirmar pelo menos até meados da década. Assim, Joan Crawford , Gary Cooper , Wallace Beery , Marie Dressler , Janet Gaynor , Bebe Daniels e Norma Shearer se tornaram ainda mais populares. Alguns atores se tornaram populares precisamente por causa de seu sotaque. Maurice Chevalier se tornou a maior estrela da Paramount em 1929, depois de fazer uma série de musicais de sucesso. Um ano depois, Marlene Dietrich provou que a habilidade de falar inglês era apenas um aspecto do sucesso profissional. No entanto, os vencedores do filme sonoro foram principalmente atores com certa experiência de palco e conversação. George Arliss , John Barrymore e Ronald Colman já eram populares durante a era do cinema mudo e foram capazes de convencer com sua dicção clara. Além disso, havia uma caravana inteira de mímicos da Broadway que se mudaram para o oeste a partir de 1929 e se tornaram muito populares lá: Ruth Chatterton , Fredric March , Nancy Carroll , Ann Harding , Barbara Stanwyck , Tallulah Bankhead , para citar apenas alguns.

Muitas carreiras terminaram aos poucos, pois a mudança para o cinema sonoro também resultou em novas preferências no gosto do público. William Haines , Mary Pickford , Corinne Griffith , Gloria Swanson , Lila Lee , Laura La Plante , John Gilbert , Marion Davies , Betty Compson , Richard Dix e Clara Bow foram alguns nomes que, embora superando bem o obstáculo do microfone, gradualmente ganharam seu atração perdida na bilheteria. Isto torna-se particularmente claro no exemplo de Colleen Moore , que criou a imagem do flapper menina no filme Flaming Youth em 1923 e produziu um dos maiores hits do ano em 1928 com a tira Lilás tempos . Ela tinha uma voz agradável, dançava razoavelmente bem e filmou alguns musicais em 1929, mas o gosto do público já havia mudado para sua desvantagem. Flappers eram uma coisa do passado e Miss Moore retirou-se temporariamente para a vida privada em 1930. Alguns atores fizeram sua estreia no cinema sonoro muito tarde. Lon Chaney fez seu primeiro e último filme apenas em 1930. Lillian Gish também estreou em 1930 em filmes falados. Charles Chaplin até esperou até 1940.

Hollywood apresentou a época do cinema mudo já em 1939 no Hollywood Cavalcade com Don Ameche e Alice Faye como uma época passada que poderia, na melhor das hipóteses, ser usada como pano de fundo para comédias. Uma paródia particularmente engraçada do pânico que atingiu Hollywood na época é o filme Singin 'in the Rain, de 1952. Especialmente o papel de Jean Hagen como uma estrela espirituosa é fortemente baseado na personagem de Norma Talmadge .

Diretores

A primeira diretora de longas-metragens da história do cinema foi a francesa Alice Guy-Blaché , que filmou La Fée aux Choux em 1896 .

O diretor de cinema mudo americano mais influente e bem-sucedido foi DW Griffith . Suas obras mais importantes são Intolerância e O nascimento de uma nação , sendo a última controversa por causa de sua glorificação relativamente acrítica da Ku Klux Klan . Do ponto de vista técnico e estilístico, no entanto, seus filmes são considerados as primeiras obras-primas do cinema. Em 1919, Griffith foi um dos fundadores da United Artists . Os filmes mudos mais conhecidos para a distribuição de filmes nos Estados Unidos foram Far in the East e Two Orphans in the Storm .

Na Europa, o diretor russo Sergej Eisenstein foi muito influente e conhecido, especialmente por seu filme mudo Battleship Potemkin . Ele causou sensação com sua nova técnica de edição e moldou a linguagem cinematográfica até hoje. A assim chamada sequência de Odessa em particular é lendária e foi citada e parodiada muitas vezes. Eisenstein cunhou o termo estético cinematográfico de "montagem". Os dois diretores alemães Friedrich Wilhelm Murnau ( amanhecer - canção de duas pessoas , Faust - um conto folclórico alemão ) e Fritz Lang ( Metrópolis , Dr. Mabuse ) também definiram com seu expressionismo, trabalho de câmera ( O Último Homem ) e a peça com a luz e padrões de sombra ( Nosferatu - A Symphony of Horror ).

Alfred Hitchcock começou sua carreira em Londres como desenhista e assistente de direção. Entre 1925 e 1929, ele fez nove de seus próprios filmes mudos como diretor, incluindo o mais famoso The Tenant .

Importantes empresas de cinema da era do cinema mudo

Nos anos após a Primeira Guerra Mundial, o mercado cinematográfico global ficou cada vez mais sob o domínio americano. Mesmo assim, as grandes empresas cinematográficas americanas, em sua maioria, tinham seus próprios sistemas de distribuição e cadeias inteiras de cinema.

Os maiores produtores de cinema no final da era do cinema mudo foram:

  1. Paramount Famous-Lasky , EUA: cerca de 80 filmes por ano, distribuição própria em mais de 200 filiais em todo o mundo, 500 cinemas próprios
  2. Metro-Goldwyn-Mayer , EUA: vendas próprias, cerca de 400 cinemas próprios
  3. United Artists , EUA: originalmente vendia apenas produções de seus membros, também um produtor de cinema, possuía vários cinemas
  4. First National , USA: também surgiu da organização de vendas, conexão com o grupo de cinema Stanley (300 cinemas)
  5. Universal Pictures Corporation , EUA: vendas próprias, 200 cinemas próprios, filial de produção em Berlim
  6. Fox , EUA: distribuição própria, 356 cinemas próprios, conexão com Finkelstein-Rubin-Gruppe (150 cinemas)

Outros grandes produtores de filmes foram:

Som na era do cinema mudo

O primeiro filme sonoro experimental foi feito em 1894 ou 1895 por William KL Dickson , um técnico de Thomas Alva Edison . Se houvesse a necessidade de explicar as ações, as explicações do filme eram usadas de forma não sistemática até 1908, então, principalmente, painéis de texto com legendas explicativas . Nos cinemas japoneses por volta de 1908, havia um ou mais benshi que explicavam os filmes e falavam todos os papéis ao vivo durante a exibição. A música era tocada com todos os filmes mudos , seja na forma de uma partitura escrita para o filme ou como improvisação por um músico. Na maioria das vezes, o piano era tocado. Os pianistas nos cinemas também eram chamados de tappeurs . O alcance e a qualidade do acompanhamento musical dependiam do cinema.Para eventos de gala e estréias de filmes grandes e luxuosos, que foram feitos gradualmente a partir de meados da década de 1910, orquestras inteiras foram contratadas para acompanhá-los. Alguns cinemas tinham órgãos de cinema especialmente construídos que também permitiam efeitos sonoros. Como o pianista de cinema mudo mais testador da Alemanha aplica Willy Sommerfeld , no austríaco Gerhard Gruber o mais importante acompanhante de cinema mudo ao piano.

Desde o início da projeção do filme, houve o desejo de equipar os filmes mudos com som. As resenhas em jornais das primeiras exibições de filmes expressavam claramente a falta de imagens mudas, apesar de toda a admiração pela “fotografia viva”. Para as primeiras exibições do filme z. B. na Frísia Oriental , o pioneiro do cinema itinerante tocava música militar como música de fundo usando o fonógrafo . A partir de 1904, os cinemas itinerantes realizavam as chamadas “imagens sonoras” nas feiras anuais pelo processo de agulhagem , com discos produzidos especialmente para os filmes . Essas imagens sonoras puderam permanecer na programação de todos os cinemas até os primeiros dias das primeiras salas de cinema. A qualidade era ruim e os registros quase nunca eram sincronizados com as imagens; para os filmes mais longos, habituais a partir de cerca de 1915, os registros da época também tiveram um tempo de execução muito curto, de modo que as "imagens sonoras" logo desapareceram novamente.

"Filmes mudos modernos"

Mesmo após a introdução do filme sonoro, foram feitos filmes cujo enredo é transmitido no todo ou em parte sem uma palavra falada. Esses filmes não são realmente filmes mudos. Ao contrário do cinema mudo real, não se trata da consequência da falta de trilha sonora (aspecto técnico), mas dos meios artísticos de utilizar peculiaridades secundárias típicas do cinema mudo, como filme preto e branco , legendas e elementos de pantomima. .

Charles Chaplin foi um dos primeiros artistas que continuou a contar com o cinema mudo como meio de expressão artística, mesmo após a introdução dos filmes falados. Foi assim que filmes como City Lights (1931) e Modern Times (1936) foram feitos. Na década de 1970 , Mel Brooks homenageou o cinema mudo com o filme Silent Movie . Mais recentemente, alguns cineastas voltaram a usar o cinema mudo como meio de expressão artística. Em 1995 o filme Die Gebrüder Skladanowsky de Wim Wenders foi concebido como uma homenagem e em 1999 o filme Juha de Aki Kaurismäki . Isso será seguido no século 21 por Call of Cthulhu (2005) de Andrew Leman , o filme de Franka Potente The Deadly Bellies de 2006 e The Artist (2011) de Michel Hazanavicius . Em 2012, Jonas Grosch usou o filme mudo pela primeira vez em um documentário com A Silent Rockumentary . O que esses filmes têm em comum é a referência específica à fase de transição do filme mudo para o filme sonoro, além do uso de alguns dispositivos estilísticos do filme mudo.

Pesquisa em filme mudo

Os especialistas estimam que 80 a 90 por cento de todos os filmes mudos são irremediavelmente perdidos. Isso se deve principalmente ao material de filme de nitrato de celulose usado na época , que tende a se decompor e inflamar após um longo armazenamento.

Na década de 1920, filmes de nitrato foram sistematicamente destruídos nos EUA para extrair prata. Além disso, houve décadas de desinteresse por produções antes da Primeira Guerra Mundial. Os primeiros filmes foram considerados "primitivos". Só com a reunião do IFOP em 1978 é que começou lentamente a repensar.

A busca por filmes perdidos é muito difícil. Por décadas, historiadores do cinema procuraram uma cópia do filme perdido de Greta Garbo , The Divine Woman . No final, um fragmento de dez minutos foi encontrado nos arquivos de Moscou, que foi exibido novamente no Instituto de Cinema de Nova York.

Conservação e disponibilidade

A grande maioria dos filmes mudos produzidos no final do século 19 e no início do século 20 é considerada perdida ; De acordo com um relatório da Biblioteca do Congresso dos Estados Unidos , em setembro de 2013, isso foi cerca de 70 por cento de todos os filmes americanos produzidos entre 1912 e 1929.

Vários filmes mudos foram disponibilizados em DVD nos últimos anos . A música original do filme (se houvesse uma composição separada para o filme) era freqüentemente regravada por artistas contemporâneos conhecidos; para filmes sem música própria, muitas vezes recorria-se a relatos contemporâneos sobre a música tocada para uma apresentação. No entanto, um problema para a transferência em DVD é o fato de que muitos filmes mudos ainda não foram projetados para a velocidade de reprodução atual de 24 quadros por segundo, mas em vez disso, usaram menos imagens. Uma vez que essas velocidades mais baixas não são fornecidas no padrão de DVD, tais filmes têm que ser extrapolados para a velocidade de imagem mais alta de uma maneira trabalhosa e com perda de qualidade.

Além da oferta de cinema mudo nos cinemas, estão também os festivais e eventos dedicados ao cinema mudo, como o CineFest - Festival Internacional do Patrimônio do Cinema Alemão , Hamburgo - Berlim - Viena - Zurique, organizado pelo CineGraph and Federal Film Archives , o International Silent Film Festival em Bonn, o StummFilmMusikTage Erlangen ou o Kino Kabaret , que exibe filmes mudos históricos e contemporâneos em apresentações tradicionais com músicos. O festival de cinema mudo mais importante internacionalmente é Le Giornate del Cinema Muto , que se realiza todos os anos em Pordenone .

literatura

Livros

  • Herbert Birett : A gama de filmes na Alemanha 1895–1911. Filmbuchverlag Winterberg, Munich 1991, ISBN 3-921612-10-1 .
  • Herbert Birett : jogos de luz. O cinema na Alemanha até 1914. Q-Verlag, Munique 1994.
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  • Hans-Michael Bock , Michael Töteberg (Ed. Em colaboração com CineGraph ): O livro Ufa. Arte e crises, estrelas e diretores, negócios e política. Zweiausendeins, Frankfurt am Main 1992, ISBN 3-86150-065-5 .
  • Ilona Brennicke, Joe Hembus : Clássicos do cinema mudo alemão. 1910-1930. (= Livros de filmes da Cidadela ). Goldmann, Munich 1983, ISBN 3-442-10212-X .
  • Rainer Fabich : Música para o cinema mudo. Peter Lang, Frankfurt am Main 1993, ISBN 3-631-45391-4 .
  • Heinz-B. Heller: Literary Intelligence and Film. Sobre as mudanças na teoria e prática estética sob a impressão do filme 1910-1930 na Alemanha. Tübingen 1985, ISBN 3-484-34015-0 .
  • Detlef Hoffmann , Jens Thiele: Imagens de luz, jogos de luz. O início da fotografia e do cinema na Frísia Oriental. Jonas-Verlag, Marburg 1989, ISBN 3-922561-84-5 .
  • Gabriele Jatho, Rainer Rother (Ed.): City Girls. Imagens de mulheres em filmes mudos. Bertz + Fischer, Berlin 2007, ISBN 978-3-86505-177-6 .
  • Walter Kerr: Os palhaços silenciosos . Knopf, New York 1979, ISBN 0-394-73450-5 .
  • Thorsten Lorenz: O conhecimento é um meio. A filosofia do cinema. Fink, Munich 1988, ISBN 3-7705-2400-4 . (= Ao mesmo tempo: Dissertação da Universidade de Freiburg / B. 1985)
  • Heide Schlüpmann: o olhar estranho. O drama do primeiro cinema alemão. Stroemfeld / Roter Stern, Frankfurt am Main 1990, ISBN 3-87877-373-0 .
  • Claudia Preschl: Corpos rindo. Comediantes do cinema dos anos 1910 (= FilmmuseumSynemaPublikationen. Volume 6). Viena 2008, ISBN 978-3-901644-27-6 .

Revistas

  • KINtop. Anuário para o estudo do primeiro filme. Stroemfeld, Basel / Roter Stern, Frankfurt am Main 1992-2006, ISSN  1024-1906 , DNB 016854098 .

Links da web

Wikcionário: Filme silencioso  - explicações de significados, origens das palavras, sinônimos, traduções
Commons : Filmes silenciosos  - coleção de fotos, vídeos e arquivos de áudio

Evidência individual

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  2. Martin Loiperdinger: Film & Schokolade - Stollwerck's Businesses With Living Pictures, Stroemfeld Verlag, Frankfurt am Main, Basel 1999, p. 97
  3. L'Estrange Fawcett: The World of Film. Amalthea-Verlag, Zurich, Leipzig, Vienna 1928, p. 18 (traduzido por C. Zell, suplementado por S. Walter Fischer).
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