Ópera

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Maria Callas, estrela da ópera

Como ópera (da ópera italiana na música , "obra musical") refere-se a um 1600 criado (com o início da era barroca) desde 1639 gênero musical de teatro . Além disso, a ópera (o local da representação ou instituição produtora) ou a companhia performática também é chamada de ópera .

Uma ópera consiste em compor um poema dramático com música executada por um conjunto de cantores , uma orquestra acompanhante e , às vezes, um coro e um conjunto de balé . Além de cantar, os atores atuam em dramatização e dança em um palco de teatro projetado com o auxílio de pintura , arquitetura , adereços , iluminação e tecnologia cênica . Os papéis dos atores são evidenciados pela máscara e pelos figurinos . O maestro do musical, o diretor da direção e o cenógrafo do equipamento atuam como diretores artísticos . No fundo, ela apóia a dramaturgia .

Delimitações

A ópera é resumida em dança, musical e opereta sob o termo teatro de música . Os limites das obras de arte relacionadas são fluidos e sempre redefinidos em cada época, principalmente também no que diz respeito a certas preferências nacionais. Desta forma, a ópera como gênero permanece viva e recebe sempre novas ideias das mais variadas áreas do teatro.

Ópera e drama

O drama no sentido estrito de que as pessoas só falam no palco são raros na história do teatro . Formas mistas de música, recitação e dança eram a regra, mesmo que às vezes escritores e pessoas do teatro se empenhassem em resgatar ou reformar o drama. Desde o século 18, formas mistas entre drama e ópera surgiram a partir de várias variedades de ópera-comique , como ópera balada , singspiel ou farsa com canto. Os Singspiele de Mozart são atribuídos à ópera, os de Nestroy são considerados peças de teatro. Na fronteira, mova z. B. também as obras de Brecht / Weill , cuja ópera de três centavos está mais próxima do drama, enquanto a ascensão e queda da cidade de Mahagonny é uma ópera. A música que está completamente subordinada ao drama é chamada de música dramática .

Uma forma muito difundida de teatro relacionado ao drama desde o início do século 19 era o melodrama , que hoje só está presente no cinema popular. Teve grande influência na ópera da época com seus materiais de aventura. Em alguns lugares, continha música de fundo como música de fundo para a ação no palco (menos do texto falado). O termo melodrama , que ainda é conhecido hoje, refere-se a isso . Essa música de fundo pode ser encontrada, por exemplo, no Idomeneo de Mozart , Fidelio de Ludwig van Beethoven , no Der Freischütz de Weber (no Wolfsschluchtszene) e no Königskinder de Humperdinck .

Ópera e balé

Na tradição francesa, a dança foi integrada à ópera desde o período barroco. O balé clássico lutou para romper com essa conexão no século 19, mas as obras neoclássicas do século 20, por exemplo, de Igor Stravinsky ou Bohuslav Martinů , confirmam a relação entre ópera e balé. A ópera italiana também não era desprovida de dança, embora a dança não dominasse na mesma medida. Hoje, os ballets e divertissements of repertório funcionam em sua maioria retirados das partituras, então a impressão de uma separação de linhas é criada.

Ópera e opereta / musical

O gênero da opereta e formas relacionadas como a zarzuela , como um desenvolvimento posterior do Singspiel, é diferenciado da ópera, que foi cada vez mais composta a partir de meados do século 19, pelos diálogos falados, mas também por seus predominantes requisitos de entretenimento e a principal preocupação para popularidade ou sucesso comercial. Essa demarcação não surgiu até o final do século 19: quando a “ópera cômica” mudou do gênero “baixo” para o “alto”, a opereta emergiu como um novo gênero “baixo”. O mesmo se aplica ao musical , o desenvolvimento do teatro musical popular nos Estados Unidos. Operetas e musicais são, no entanto, não menos formas de arte do que a ópera.

história

pré-história

Antiguidade

Mesmo no teatro grego antigo , a ação cênica era combinada com música. A ópera moderna referiu-se repetidamente a esse modelo e, como pouco foi transmitido da prática da performance, foi capaz de interpretá-lo de uma ampla variedade de maneiras. Um coro que cantava e dançava desempenhava um papel importante, dividindo o drama em episódios ou tendo a tarefa de comentar o enredo. Os romanos cultivaram a comédia em vez da tragédia . Mimus e depois a pantomima tinham uma alta proporção de música. Devido à destruição dos teatros romanos no século 6 e à perda de livros no final da Antiguidade , muitas fontes sobre ele foram perdidas.

No entanto, desde o início do século 20, vários edifícios antigos, especialmente anfiteatros e teatros, foram usados ​​para apresentações de ópera. Os mais conhecidos são o Théâtre Antique em Orange (com interrupções desde 1869), a Arena di Verona (desde 1913), o Odeon de Herodes Atticus em Atenas (desde 1930), os Banhos de Caracalla em Roma (desde 1937) e o Pedreira romana St. Margarethen (desde 1996).

meia idade

Na Alta Idade Média , com base na missa pascal, surgiu uma nova tradição de ação cantada. A peça espiritual aconteceu primeiro na igreja, depois no século 13 como uma peça de paixão ou procissão fora da igreja. Os temas populares foram os eventos bíblicos da Páscoa e do Natal, também com interlúdios cômicos. As melodias são frequentemente transmitidas, o uso de instrumentos musicais é provável, mas raramente verificável. Na esfera da corte havia peças seculares como o melodioso Jeu de Robin et de Marion de Adam de la Halle (1280).

Renascimento

Projeto de produção para Orpheus and Amphion, Düsseldorf 1585

A época do carnaval , que mais tarde se tornou a tradicional temporada da ópera, oferece a oportunidade de ações musicais e teatrais desde o século 15, que emanaram das então maiores cidades europeias da Itália: intermediários , jogos de dança, máscaras e desfiles triunfais fazem parte da representação urbana no Renascimento italiano . O madrigal era o gênero mais importante de música vocal e costumava ser associado a danças.

A corte real na França ganhou importância em comparação à Itália no século XVI. O Ballet comique de la reine 1581 foi um ato dançado e cantado e é considerado um importante precursor da ópera.

Uma das primeiras tentativas na Alemanha de apresentar um enredo dramático com protagonistas cantores em um palco é a performance de Orfeu e Anfião em um palco simultâneo por ocasião do casamento em Jülich de Johann Wilhelm von Jülich-Kleve-Berg com Margravine Jakobe von Baden em Düsseldorf em 1585. Como possível compositor da música que não foi transmitida chama-se Andrea Gabrieli . A música era tão bonita "que não existia / naquela época / e ouvia-se tal Musicum concentum & Symphoniam / on possível de acreditar." O enredo era, é claro, principalmente uma alegoria no sentido de um espelho de príncipe .

origem

Florentina camerata

A ópera, tal como é hoje, foi escrita em Florença no final do século XVI . A Camerata florentina , um grupo de discussão acadêmica em que poetas (por exemplo, Ottavio Rinuccini ), músicos, filósofos, aristocratas e um patrono das artes - inicialmente assumiu este papel, o conde Bardi , posteriormente conde Corsi  - desempenhou um papel importante na história sua criação . Esses humanistas procuraram reviver o antigo drama , que eles acreditam incluir solistas vocais, coro e orquestra. Depois dos dramas pastorais do século XVI, o libreto foi desenhado e musicado com os meios musicais da época. Vincenzo Galilei pertencia a este grupo. Ele descobriu hinos de Mesomedes , que estão perdidos hoje, e escreveu um tratado contra a polifonia holandesa . Esta foi uma prova clara do estilo musical desejado, a então nova voz solo com acompanhamento instrumental.

Entender o texto da música vocal era o mais importante para a Camerata florentina. Uma linha vocal clara e simples foi declarada ideal, que o frugal baixo -Begleitung com poucos e suaves instrumentos como alaúde ou cravo tinha que subordinar. Idéias melódicas bem elaboradas eram indesejáveis ​​para não obscurecer o conteúdo das palavras pelo canto. Falou-se até em uma “nobile sprezzatura del canto” ( Giulio Caccini : Le nuove musiche , 1601), um “nobre desprezo pela canção”. Esse tipo de canto era denominado recitar cantando , recitar cantando. A simplicidade e limitação do recitar cantando contrasta com a polifonia predominante com suas camadas complexas de notas e texto. Com monodia , como esse novo estilo era chamado em referência à antiguidade, a palavra deveria voltar ao seu pleno direito. Desenvolveu-se uma teoria dos afetos , que poderia ser transportada através do texto cantado. Os coros em forma de madrigal ou como um moteto juntaram-se à monodia das partes vocais individuais . A orquestra tocou ritornelles e danças intermediárias.

La Dafne de Jacopo Peri (estreada em 1598) com um texto de Ottavio Rinuccini , do qual apenas alguns fragmentos sobreviveram, é considerada a primeira obra do gênero ópera . Outras obras importantes dos primeiros dias são Peris Euridice (1600) como a ópera mais antiga sobrevivente, bem como Eurídice (1602) e Il Rapimento di Cefalo de Giulio Caccini . Os temas dessas primeiras óperas foram retirados da poesia pastoril e, acima de tudo, da mitologia grega . Milagres, magia e surpresas, representados por elaboradas máquinas de palco , tornaram-se componentes populares.

Monteverdi

Claudio Monteverdi

A primeira ópera de Claudio Monteverdi, L'Orfeo (1607), atraiu atenção especial . Foi estreada em Mântua em 24 de fevereiro de 1607 por ocasião do aniversário de Francesco IV Gonzaga . Em comparação com seus predecessores, pela primeira vez um conjunto mais rico de instrumentos pode ser ouvido aqui (embora seja principalmente apenas sugerido na partitura ), harmonia expandida , interpretação tonal- psicológica e pictórica de palavras e figuras, bem como uma instrumentação que caracteriza as pessoas . Trombetas são usadas, por exemplo, para as cenas do submundo e da morte, cordas para cenas de sono e um órgão de madeira é usado para o personagem principal Orfeo .

Monteverdi: a ária de Penélope “Di misera, regina” de Il ritorno d'Ulisse in patria

Monteverdi estende a linha vocal recitar cantando para um estilo mais ária e dá aos coros um peso maior. Suas últimas obras Il ritorno d'Ulisse in patria (1640) e L'incoronazione di Poppea (1643) são pontos altos da história operística em termos de drama. Mesmo nesta última ópera, L'incoronazione di Poppea , de Monteverdi , encontramos o prólogo de três figuras alegóricas mostradas na Fortuna que a Virtù zombou (virtude). O resto da ação se passa no mundo terreno em torno do imperador romano Nero , sua esposa não amada Ottavia e Poppea , a esposa do pretor Ottone . Esta se torna a esposa e imperatriz de Nero. O personagem brutal de Nero é representado por um castrato e música virtuosa correspondente, Ottone, por outro lado, parece suave, e o digno professor e conselheiro de Nero, Sêneca, recebe a voz de baixo. O canto do bel canto e a riqueza da coloratura são usados ​​para a nobreza e para os deuses, para o resto do povo ariosi e canções mais simples.

Século 17

Itália

Teatro San Carlo di Napoli, 1735

Em 1637, o Teatro San Cassiano de Veneza foi inaugurado como a primeira casa de ópera pública. Novos locais foram criados em rápida sucessão, e Veneza, com sua “Ópera Veneziana”, tornou-se o centro operístico do norte da Itália. As representações históricas logo substituíram os temas míticos, como na ópera L'incoronazione di Poppea (1642), que ainda leva o nome de Claudio Monteverdis, embora as pesquisas desde Alan Curtis tenham discutido se se trata de um pasticcio que usa nomes famosos .

O público dessas óperas era composto principalmente por membros das classes não aristocráticas. O plano de jogo foi determinado pela aristocracia financeira com base no gosto do público. Nesse contexto, a ópera que surgia das academias foi comercializada e simplificada, e a orquestra foi reduzida. A ária da capo precedida de um solo recitativo cantado por muito tempo, coros e conjuntos foram encurtados. Erros e intrigas formaram a estrutura básica do enredo, que foi enriquecido com cenas cômicas dos personagens secundários populares. Francesco Cavalli e Antonio Cesti foram os compositores de ópera venezianos mais famosos da geração que se seguiu a Monteverdi. Os escritores Giovanni Francesco Busenello e Giovanni Faustini eram considerados modeladores de estilo e eram frequentemente imitados.

Desde a década de 1650, a cidade de Nápoles tornou-se o segundo centro de ópera da Itália, mais fortemente influenciada pelo gosto da aristocracia. O compositor Francesco Provenzale é considerado o fundador da ópera napolitana . Na geração seguinte, Alessandro Scarlatti se tornou um pioneiro da escola napolitana .

Os libretistas obtinham seu dinheiro vendendo livros didáticos, que eram distribuídos junto com velas de cera para serem lidos antes da apresentação. Por muito tempo, a literatura do humanismo renascentista permaneceu o modelo para os textos de ópera italiana.

As óperas eram dadas apenas em certas épocas (italiano: stagione ): durante o carnaval, da Páscoa às férias de verão e do outono ao advento. Em vez disso, os oratórios eram tocados durante a época da Paixão e do Advento . Em Roma , não só os efeitos das máquinas e os coros ganharam peso, mas também os temas espirituais.

Paris

Em Paris , Jean-Baptiste Lully e seu libretista Philippe Quinault desenvolveram uma versão francesa da ópera, cuja característica mais marcante, além dos coros, é o balé . Lully escreveu uma versão francesa de L'ercole amante de Cavalli (1662), na qual inseriu balés mais aclamados do que a ópera. Cadmus et Hermione (1673) é considerado a primeira tragédie lyrique e permaneceu um modelo para as óperas francesas subsequentes.

A ópera importada da Itália foi adiada pela tragédie lyrique. No entanto, os sucessores de Lully, Marc-Antoine Charpentier e André Campra, tentaram combinar dispositivos estilísticos franceses e italianos.

Área de língua alemã

Baseada em modelos italianos, uma tradição de ópera independente se desenvolveu na área de língua alemã já em meados do século XVII, que também inclui o uso de libretos de língua alemã.

A primeira ópera de um compositor “alemão” foi a (perdida) Dafne de Heinrich Schütz em 1627, que conheceu a forma musical da ópera durante a sua estada na Itália de 1609 a 1613. Apenas alguns anos depois, a primeira ópera em língua alemã de Sigmund Theophil Staden foi escrita em 1644, baseada em um libreto de Georg Philipp Harsdörffer Das Geistlich Waldgedicht ou Freudenspiel, chamado Seelewig , uma peça didática pastoral próxima à escola moralizante drama da Renascença.

Pouco depois da Guerra dos Trinta Anos, as casas de ópera se estabeleceram cada vez mais como pontos centrais de encontro e de representação para as classes sociais líderes também nos países de língua alemã. As principais casas ducais e reais desempenharam um papel central, proporcionando cada vez mais seus próprios teatros da corte e os artistas associados, que geralmente eram abertos ao público (rico). Munique recebeu sua primeira ópera em 1657 e Dresden em 1667.

Plebeus, d. H. As óperas “públicas e populares” financiadas por cidades e / ou atores burgueses privados, como as de Veneza, só existiam em Hamburgo (1678), Hanôver (1689) e Leipzig (1693). Em contraste deliberado com a operação nas casas "nobres", que são dominadas por óperas de língua italiana, a Ópera de Hamburgo em Gänsemarkt em particular, como a mais antiga casa de ópera burguesa da Alemanha, deliberadamente confiou em obras e autores de língua alemã. Como Handel , Keizer , Mattheson e Telemann . Desde o início do século 18, estes estabeleceram uma tradição de ópera e singspiel independente em língua alemã usando libretos em língua alemã de poetas como Elmenhorst , Feind , Hunold e Postel . A importância de Hamburgo para o desenvolvimento de uma tradição de ópera independente em língua alemã também é sublinhada pelos dois escritos contemporâneos sobre a teoria da ópera: Dramatologia de Heinrich Elmenhorst (1688) e Gedancken da ópera de Barthold Feind (1708).

Inglaterra

Na Inglaterra, a ópera espalhou-se relativamente tarde. A forma de teatro musical predominante na época do teatro elisabetano era a máscara , uma combinação de dança, pantomima, teatro falado e interlúdios musicais, em que o texto musicado geralmente não estava diretamente relacionado ao enredo. Após a proibição puritana da música e das apresentações teatrais em 1642, não foi até a Restauração Stuart, que começou novamente em 1660, que uma vida de teatro foi estabelecida, na qual a ópera foi integrada.

A ópera de uma hora Dido e Aeneas de Henry Purcell (estreada provavelmente em 1689, libreto: Nahum Tate ) é uma obra única em todos os aspectos . O compositor retoma elementos da ópera francesa e italiana, mas desenvolve uma linguagem tonal própria, que se caracteriza sobretudo por permanecer muito próxima do texto. As passagens de coro e seções de dança contrastam com as passagens de arioso dos personagens principais, que administram quase sem formas de ária. As mudanças de humor e situações são reproduzidas com precisão com meios musicais; a cena final, quando a rainha cartaginesa Dido morre de coração partido por um amor infeliz pelo herói troiano Enéias , é uma das mais comoventes da literatura lírica.

século 18

Desenvolvimento geral

No decurso do século XVIII surgem dois tipos de ópera: para além da ópera séria consagrada , como forma originada principalmente pela necessidade de representação e legitimação da nobreza, que se baseia sobretudo em material mitológico ou histórico e no seu pessoal constituído de deuses, semideuses, heróis, príncipes e seu próprio Amado e seus servos, a ópera buffa se desenvolve por volta de 1720 com atos cômicos inicialmente rudes que se transformam em atos sentimentais-burgueses.

Na França, a cortês tragédie lyrique concorre com as óperas italianas , com seus instrumentos mais abrangentes do que as antigas óperas italianas, e a opéra-comique , que vem do teatro de feiras parisiense . Esses gêneros encorajam apresentações de ópera em sua própria língua fora da França também, como um contrapeso local para os virtuosos italianos onipresentes.

Marco Ricci : ensaio de ópera , 1709

A tendência definidora de estilo na Itália no segundo quarto do século 18 de transformar o dramma per musica original em um concerto de ária ou uma ópera de número com um conteúdo e música fixos. Outro desenvolvimento central durante a primeira metade do século 18 é a divisão das árias da capo , que cresceram para cinco partes, com a sequência AA'-B-AA 'em subgrupos específicos:

  • Aria di bravura (bravura aria ) com coloratura pródiga;
  • Aria cantabile com belas linhas;
  • Aria di mezzo carattere com acompanhamento orquestral característico;
  • Ária concertata com instrumentos de concertos;
  • Aria parlante , que descreve violentas explosões de emoção.

A estrela da noite também conseguiu inserir uma virtuose aria baule ("mala ária") que nada tinha a ver com o enredo. Essas árias podem ser facilmente trocadas ou usadas várias vezes. O bel canto -Gesang foi incluído nas notas agudas extremas, trinados suaves e longos saltos para uma apresentação de técnicas vocais virtuosas.

Pasticcio

Porque o conceito de fidelidade à obra ainda não estava estabelecido no século 18 e o cliente e o público sempre quiseram novas óperas nunca antes ouvidas, e porque muitas companhias de ópera muitas vezes tinham recursos limitados em termos de instrumentistas e cantores, havia prática de performance generalizada no século 18 em reunir árias e conjuntos de diferentes obras da forma mais eficaz possível, dependendo da formação existente, e fundamentar tal sequência de números musicais com novos textos e um novo enredo. Esse tipo de ópera era denominado pasticcio ; um pasticcio de ópera pode vir da pena de um único compositor que reutilizou números existentes de obras anteriores, ou pode ser composto de obras de diferentes compositores. Essa prática significava que o enredo e o clima de uma apresentação de ópera não eram fixados até o final do século 18 - e em alguns locais até a década de 1830 - e estavam sujeitos a constantes adaptações, mudanças e mudanças. A prática do pasticcio fez com que até o início do século XIX quase nenhuma execução da mesma obra fosse musicalmente ou em termos de conteúdo semelhante a uma anterior.

Ópera numérica

O caos resultante - gerado pela estratégia de atender diferentes expectativas ao mesmo tempo - repeliu os libretistas italianos Apostolo Zeno e Pietro Metastasio . Como contramedida, a partir do final da década de 1730 eles cada vez mais dispensaram tramas secundárias supérfluas, alegorias míticas e personagens secundários e, em vez disso, preferiram uma trama e uma linguagem claras e compreensíveis. Ao fazer isso, eles criaram a base para um tipo de ópera “mais sério”, além da prática usual de performance da ópera séria . O esquema de enredo desenvolvido para esse fim emaranha gradualmente os personagens principais em um dilema aparentemente insolúvel, que no final se mostra bom devido a uma ideia inesperada ( lieto fine ). Ambos os autores iniciaram uma renovação da ópera poeticamente. Contra a arbitrariedade do pasticcio , numeravam as partes musicais, o que dificultava sua troca. Dessa forma, eles contribuíram significativamente para o desenvolvimento da ópera numérica com sua sequência fixa. Como uma obra independente com um enredo rigoroso, a ópera agora era capaz de resistir ao drama .

Ópera bufa

O gênero da ópera bufa emergiu simultaneamente em Nápoles e Veneza como um tipo de ópera mais alegre e realista. Por um lado, havia comédias musicais independentes, por outro lado, os interlúdios cômicos à ópera séria no início da década de 1730, dos quais Apostolo Zeno e Pietro Metastasio haviam excluído os elementos cômicos para que eles tivessem que se limitar aos interlúdios entre os atos. A ópera Lo frate 'nnamorato de Giovanni Battista Pergolesi , estreada em 28 de setembro de 1732 no Teatro dei Fiorentini em Nápoles, e as obras de Baldassare Galuppi , que foram estreadas em Veneza em meados da década de 1740 e criadas em estreita colaboração com Carlo Goldoni , são consideradas obras estilísticas .

Em termos de conteúdo, a Opera Buffa tirou proveito do rico fundo da Commedia dell'arte . Os atos eram muitas vezes misturados com comédias, cuja equipe consistia de um nobre casal de amantes e dois subordinados, muitas vezes criadas e criadas. Em contraste com a ópera séria, esta pode aparecer como os atores principais, com os quais um público burguês e sub-burguês poderia se identificar. A ópera buffa também era valorizada pela aristocracia, que dificilmente levava a sério suas provocações.

Desenvolvimento da Opera buffa para a semisseria da Opera

A partir de meados do século XVIII, a comédia começou a deslocar-se na ópera buffa para ações do quotidiano e contemporâneas, em que os nobres já não eram invulneráveis. O Don Giovanni de Mozart (1787) foi inicialmente visto como uma ópera buffa e só foi reinterpretado no século 19, quando o destino do burguês seduzido poderia ser levado a sério e o nobre sedutor poderia ser visto como um vilão.

Uma expressão dessas mudanças é o posterior desenvolvimento da ópera buffa ao tipo de ópera semisseria no final do século 18, porque o público burguês não queria mais se ver ridicularizado no palco. A proximidade cotidiana da ópera buffa e de sua contraparte francesa, a opéra-comique , foi socialmente explosiva na segunda metade do século XVIII. Relacionado a isso estava a disputa buffonista que ocorreu na França de 1752 a 1754 . Jean-Jacques Rousseau valorizava mais o tipo de ópera “alegre” burguesa do que a tragédie lyrique da alta aristocracia. Sua condenação da ópera francesa em favor da italiana gerou reações iradas.

Inglaterra

No mundo anglófono, Georg Friedrich Händel (anglicizado George Frideric Handel) tornou-se um dos compositores de ópera mais produtivos (mais de 45 óperas). Seu trabalho em Londres não teve o sucesso comercial desejado, entre outras coisas. por causa da forte competição do famoso castrato Farinelli , que cantava na trupe de ópera rival, e os honorários ruinosos para as prima donas comprometidas. No século XX, Alcina , Giulio Cesare e Serse , em particular , voltaram ao repertório, e nas últimas décadas muitas outras óperas de Handel (incluindo Ariodante , Rodelinda , Giustino ). Depois que a prática da performance histórica foi mais bem pesquisada no curso do movimento da música antiga , produções definidoras de estilo também foram feitas nas grandes casas de ópera com a ajuda de especialistas barrocos .

Jean-Michel Moreau : cenário para Le devin du village (1753)

França

A contraparte francesa da polêmica opera buffa em Paris foi a Opéra-comique . Os recitativos foram substituídos por diálogos falados. Este modelo também obteve sucesso no exterior. A nova simplicidade e proximidade com a vida também se reflete em arietas menores e nouveaux airs , que, em contraste com os conhecidos vaudevilles, foram recentemente compostos.

Em 1752, a França experimentou um novo confronto entre a ópera francesa e italiana, que entrou para a história com o nome de A Controvérsia Buffonista . A ópera La serva padrona de Giovanni Battista Pergolesi (alemão: A empregada como amante ) foi a ocasião para isso. Contra a artificialidade e estilização da tradicional ópera aristocrática francesa, especialmente Jean-Jacques Rousseau e Denis Diderot , que se defenderam da arte e estilização de Rameau . Além da ópera deliberadamente simples Le devin du village (alemão: Der Dorfwahrsager ), Rousseau também escreveu um tratado premiado intitulado Discours sur les sciences et les arts (1750), no qual ele declara uma vida intocada pela ciência e pela cultura para seja o ideal. Ele escreveu outros artigos musicais para a famosa enciclopédia abrangente do Iluminismo francês. A disputa Buffonista acabou prejudicando a trupe de ópera italiana, que foi expulsa da cidade. A disputa estava encerrada por enquanto, mas a Grand Opéra ainda estava atrás da Opéra comique em termos de popularidade.

Área de língua alemã

Schikaneder como o primeiro Papageno , 1791

O fechamento da ópera em Gänsemarkt em 1738 levou a um fortalecimento ainda maior do negócio da ópera de língua italiana na área de língua alemã, que já era dominante naquela época. Porém, a partir do modelo de Hamburgo, a prática de traduzir os recitativos para o alemão para apresentações de óperas francesas e italianas e, principalmente por motivos musicais, apenas mantendo a língua original das árias estabeleceu-se a partir de meados do século XVIII. A partir de meados do século XVIII, a venda ou distribuição ao público de explicações impressas e traduções de obras em alemão em língua não alemã tornou-se cada vez mais comum.

Por volta de 1780, com a obra de Wolfgang Amadeus Mozart , teve início um desenvolvimento que durou até o século 19, que levou ao deslocamento crescente do italiano anteriormente dominante em favor de obras de língua alemã e performances na tradução alemã. Ao fazer isso, Mozart encontrou sua própria maneira de lidar com a tradição da ópera italiana. Nos primeiros anos, já fez várias vezes sucesso na Itália (inclusive com Lucio Silla e Mitridate, re di Ponto ) e compôs sua primeira obra-prima para Munique com Idomeneo (1781), ópera séria também escrita em italiano . Ele deveria retornar a esta forma com La clemenza di Tito (1791), pouco antes de sua morte. Depois das peças musicais Bastien e Bastienne , Zaide (fragmento) e Die Entführung aus dem Serail (com esta ópera estreada em 1782 ele conseguiu estabelecer-se como compositor freelance em Viena), ele o fez em seu Figaro (1786) e ainda mais em Don Giovanni (1787), Opera seria e Opera buffa voltam a se aproximar. Além desta última, uma terceira obra foi criada em 1790 em uma colaboração agradável com o libretista Lorenzo Da Ponte Così fan tutte . Em Der Zauberflöte (1791), Mozart combinou elementos da ópera com os do Singspiel e do antigo teatro mágico vienense predominante localmente , que derivou seu efeito particularmente de espetaculares efeitos de palco e um enredo de conto de fadas. Havia também idéias e símbolos da Maçonaria (Mozart era ele próprio um membro da Loja). As óperas de Mozart (e especialmente a Flauta Mágica ) ainda fazem parte do repertório padrão de todas as casas de ópera. Ele mesmo descreveu a ópera como uma "grande ópera em 2 atos".

Reforma da ópera

Vinheta do título para Orfeo ed Euridice (Paris 1764)

Christoph Willibald Gluck , que também atuou na Itália e em Viena, liderou uma ampla reforma operística com suas óperas Orfeo ed Euridice (1762) e Alceste (1767), nas quais combinou elementos da ópera séria da Itália e da França com os mais realistas nível de ação da ópera bufa a. O curso de ação consistentemente claro e logicamente estruturado, projetado por Ranieri de 'Calzabigi , administra sem intrigas complexas ou drama de confusão. O número de protagonistas está diminuindo. O objetivo principal é maior simplicidade e rastreabilidade da trama.

A música de Gluck está totalmente subordinada à dramaturgia e ao texto, caracteriza situações e pessoas e não representa o canto do bel canto em si. Canções totalmente compostas ou estróficas substituíram a ária da capo. Isso alcançou uma nova naturalidade e simplicidade que neutralizou o pathos vazio e os maneirismos dos cantores. Fiel ao modelo antigo, o coro participou ativamente da ação. A abertura se relaciona com o enredo e não é mais uma peça instrumental destacada antes da ópera. O arioso italiano, o balé e a pantomima franceses, a canção inglesa e alemã, assim como o vaudeville foram integrados na ópera, não como peças individuais lado a lado, mas como um novo estilo clássico. As ideias estéticas de Gluck floresceram por seu aluno Antonio Salieri no final do século XVIII. As óperas Les Danaïdes , Tarare e Axur, re d'Ormus são particularmente importantes .

Desaparecimento dos jogos castrati

Outra expressão da maior proximidade da vida cotidiana da ópera bufa e das inovações na reforma operística sugerida por Christoph Willibald Gluck é a prática que começou na segunda metade do século 18 de renunciar a altos papéis de castrato para papéis masculinos em favor de mais vozes realistas. Além da demarcação deliberada da cultura operística da opera seria da nobreza, que é fortemente influenciada pelo virtuosismo dos castrati, as razões de custo tiveram um papel decisivo aqui, não menos importante. Como os empresários dirigiam a ópera bufa a um público burguês e subburguês menos abastado, dificilmente se poderia ganhar os horríveis custos dos honorários de um conhecido castrato . A resultante identificação da cultura virtuosa dos papéis do castrato com a cara tradição da ópera séria, que foi moldada pela nobreza, também explica o desaparecimento dos castrati do negócio da ópera após o fim do Ancien Régime e o conseqüente surgimento do as vozes "mais naturais" na ópera bufa e na semisséria da ópera formaram a classe média da classe social do século 19 que também liderava a ópera.

século 19

Desenvolvimento geral

No primeiro quartel do século XIX, os recitativos acompanhados de contrabaixo figurado foram cada vez mais desaparecendo em favor de uma versão orquestral notada. Além da principal ópera italiana e dos tipos de ópera franceses, outras formas de ópera nacional apareceram gradualmente, primeiro na Alemanha. A Revolução Francesa e a ascensão de Napoleão mostraram seus efeitos na ópera mais claramente na única ópera de Ludwig van Beethoven, Fidelio e Leonore (1805, 1806 e 1814). A dramaturgia e a linguagem musical foram claramente baseadas na Médée de Luigi Cherubini (1797). O enredo é baseado em um "fait historique" de Jean-Nicolas Bouilly , que foi composto em 1798 por Pierre Gaveaux com o título Léonore, ou L'amour conjugal ; os ideais da Revolução Francesa, portanto, também formam o pano de fundo da ópera de Beethoven. Fidelio pode ser contado ao tipo da " ópera de resgate ", em que o tema é a salvação dramática de uma pessoa de um grande perigo. O trabalho é formalmente inconsistente: a primeira parte é como uma canção, a segunda com o final coral em grande escala atinge impacto sinfônico e se aproxima do oratório . Depois da Flauta Mágica e do Fidélio , a produção alemã precisou de várias tentativas para finalmente desenvolver sua própria linguagem operística na era romântica. ETA Hoffmann forneceu um dos estágios preliminares mais importantes com sua ópera romântica Undine e Louis Spohr com seu cenário de Fausto (ambos em 1816).

Área de língua alemã

Afinal, foi Carl Maria von Weber quem, a partir da tradição do Singspiel, deu vida à ópera alemã na forma de Freischütz na orquestra em 1821 com muito colorido dramático . Sua obra Oberon (Londres 1826), que dificilmente foi tocada por causa do livro didático pobre, atribuiu tanta importância à orquestra que compositores famosos como Gustav Mahler , Claude Debussy e Igor Stravinsky mais tarde se referiram a ele.

Outros compositores do Romantismo alemão foram o altamente romântico Franz Schubert ( Fierrabras , composto em 1823, primeiro em 1897), cujos amigos não puderam fornecer-lhe um texto adequado, e Robert Schumann , que com a ambientação do material Genoveva popular entre os românticos, foi apenas um dos mais conhecidos compositores de ópera Opera (1850). Também vale a pena mencionar Heinrich Marschner , que exerceu uma grande influência sobre Richard Wagner com suas óperas sobre eventos sobrenaturais e representações da natureza ( Hans Heiling , 1833) , Albert Lortzing com suas óperas (incluindo Zar e Zimmermann , 1837, e Der Wildschütz , 1842), Friedrich von Flotow com sua ópera cômica Martha (1847) e finalmente Otto Nicolai , que trouxe algo “italianità” à ópera alemã com a Lustige Frau von Windsor (1849).

Richard Wagner finalmente reformulou a ópera tão fundamentalmente de acordo com suas idéias que os compositores alemães mencionados acima desapareceram repentinamente ao lado dele. Com Rienzi (1842), o até então bastante infeliz Wagner teve seu primeiro sucesso em Dresden; mais tarde foi superado pelo The Flying Dutchman (1843). Por causa de seu envolvimento na Revolução de Março de 1848 em Dresden , Wagner teve que ir para o exílio na Suíça por muitos anos. Seu sogro posterior, Franz Liszt , contribuiu para o fato de Wagner ainda estar presente na Alemanha com a estreia mundial de Lohengrin (1850) em Weimar . Com o apoio do jovem rei da Baviera, Ludwig II , Wagner foi finalmente capaz de realizar o tão acalentado plano do Ring des Nibelungen , para o qual mandou construir o Bayreuth Festival Theatre , no qual apenas suas obras são apresentadas até hoje.

Richard Wagner

A inovação fundamental de Wagner consistiu na dissolução completa da ópera numérica. Já havia tendências para uma ópera bem composta no Freischütz de Weber ou no raramente interpretado Genoveva (1850) de Robert Schumann . Este desenvolvimento só foi concluído de forma consistente por Wagner. Além disso, ele tratou vozes cantadas e partes orquestrais em pé de igualdade. A orquestra não acompanha mais o cantor, mas atua como um “ abismo místico ” nas diversas relações com o que é cantado. A duração das óperas de Wagner exige muita concentração e perseverança de cantores e ouvintes. Os seus temas - com exceção de algumas obras iniciais e do Meistersinger  - óperas consistentemente sérias, cujos libretos ele escreveu sozinho, são freqüentemente redenção através do amor, renúncia ou morte.

Em Tristan und Isolde (1865), Wagner transferiu amplamente o drama para o interior psicológico dos personagens principais, que ele então foi capaz de iluminar com sua música - o enredo externo da ópera, por outro lado, é incomumente monótono. O design deste interior “oceânico” também serviu aos harmônicos, que com o “ acorde de Tristão ” empurraram para o fundo as regras harmônicas que eram válidas até então e assim entraram na história da música. Musicalmente, as óperas de Wagner são caracterizadas tanto pelo tratamento engenhoso do cenário orquestral, que também teve forte influência na música sinfônica da época até Gustav Mahler , quanto pelo uso de motivos recorrentes, os chamados leitmotifs , que tratam com figuras e situações, termos individuais ou com certas idéias. Com o Ring des Nibelungen (composto de 1853-1876), o ciclo de ópera mais famoso em quatro partes (portanto, também chamado simplesmente de "a tetralogia") com um tempo total de atuação de cerca de 16 horas, Wagner criou uma realização musical e dramática monumental de sua ópera e drama (1852) desenvolveu uma reforma da ópera tradicional. O festival de consagração ao palco Parsifal foi a última de suas óperas, que dividiu o mundo da música em dois campos e despertou tanto imitadores ( Engelbert Humperdinck , Richard Strauss antes de sua Salomé ) quanto céticos - especialmente na França.

França

Na França, a forma da opéra-comique , desenvolvida na segunda metade do século XVIII, prevaleceu inicialmente . Daniel-François-Esprit Auber teve sucesso com sua ópera La muette de Portici (1828), cuja heroína foi retratada por uma bailarina que permaneceu calada, a conexão com a Grand opéra ("grande ópera"). O dramaturgo Eugène Scribe tornou-se o libretista principal. Na Grand opéra, além dos meandros da típica história de amor operística, os motivos histórico-políticos vieram à tona, como ficou claro na última ópera de Rossini , Guillaume Tell (1829). O representante mais bem-sucedido da Grande Ópera foi Giacomo Meyerbeer , com suas obras Robert le diable (1831), Les Huguenots (1836) e Le profhète (1849), tocadas no repertório internacional por décadas e até o início do século XX. Outros exemplos importantes são La Juive (“A judia”, 1835) de Halévy , Dom Sébastien de Donizetti (1843) ou Don Carlos de Verdi (1867).

Por volta de 1850, Opéra comique e Grand opéra fundiram-se em uma nova forma de ópera sem diálogos. Em 1875, Georges Bizet escreveu sua obra teatral mais conhecida, Carmen como Opéra comique, cujos recitativos só foram acrescentados postumamente por Ernest Guiraud . Se o enredo “realista” e o tom da obra não combinam com uma grand opéra, então, novamente, o final trágico, que inicialmente causou um fracasso na estréia, contradiz a opéra comique. Outros exemplos da mistura de ópera cômica e Grand Opera são de Charles Gounod Faust (1859) - aqui o termo lyrique drame é usado pela primeira vez - e de Jacques Offenbach Les contes d'Hoffmann ( histórias de Hoffmann , 1871-1880).

Rússia

Finalmente, a Rússia entrou em cena com suas primeiras óperas nacionais, alimentada pela importação de outros sucessos do Ocidente. Michail Glinka compôs a ópera Жизнь за царя ( Schisn sa zarja, alemão: uma vida para o czar , renomeado Iwan Sussanin na União Soviética ) em 1836 . A obra tem um tema russo, mas musicalmente ainda é fortemente influenciada por influências ocidentais. Sua ópera mais famosa, Ruslan e Lyudmila , teve grande influência nas gerações seguintes de compositores russos. O modesto Mussorgsky finalmente se separou das influências ocidentais com Boris Godunov (1874) após um drama de Alexander Pushkin . Até o Príncipe Igor de Borodin (1890) liderou ainda mais a herança de Glinka. Pyotr Tchaikovsky se posicionou entre as tradições russas e as do mundo ocidental e, com Eugene Onegin (1879) e a Rainha de Espadas (1890), desenhou dramas de amor com a equipe burguesa, ambos baseados também em um modelo de Pushkin.

Bohemia

Na Boêmia , Bedřich Smetana e Antonín Dvořák foram os compositores mais freqüentemente interpretados da Ópera Nacional de Praga, que começou com Libuše de Smetana (1881) no novo Teatro Nacional de Praga. The Sold Bride (1866), do mesmo compositor, tornou-se um sucesso de exportação. A ópera Rusalka de Dvořak (1901) combinou lendas folclóricas e fontes de contos de fadas alemães em uma ópera de conto de fadas lírica. Bohuslav Martinů e Leoš Janáček continuaram os seus esforços. Este último compositor foi redescoberto em sua modernidade nas últimas décadas e conquistou cada vez mais o repertório. Enquanto The Cunning Little Vixen (1924) ainda é representado principalmente na tradução alemã de Max Brod , outras obras como Jenůfa (1904), Káťa Kabanová (1921) ou Věc Makropulos (1926) estão cada vez mais sendo executadas na versão tcheca original; isso é importante porque a linguagem tonal de Janáček é intimamente baseada na fonética e na prosódia de sua língua materna.

Itália

A partir de 1813, quando as suas óperas Tancredi e L'italiana foram executadas em Algeri , a Itália caiu nas mãos do jovem e extremamente produtivo compositor de bel canto Gioachino Rossini . Il barbiere di Siviglia (1816), La gazza ladra (Eng. A pega ladrão ) e La Cenerentola (ambas de 1817) baseadas no conto de fadas da Cinderela de Charles Perrault podem ser encontradas no repertório padrão das casas de ópera até hoje. Ritmo elástico e uma orquestração brilhante e espirituosa, bem como um tratamento virtuoso da voz cantada, fizeram de Rossini um dos compositores mais populares e reverenciados da Europa. Rossini anotou as decorações improvisadas dos cantores, até então comuns, em seus papéis, evitando improvisações excessivas. Ele percebeu uma nova ideia formal com sua ária cenográfica , que relaxou a rígida alternância entre recitativo e ária e ainda manteve o princípio da ópera numérica. Além disso, Rossini escreveu várias séries de ópera (por exemplo , Otello , 1816, ou Semiramide , 1823). Em 1824 foi para Paris e escreveu obras importantes para a Opéra. Ele escreveu uma grande ópera política sobre Guilherme Tell ( Guillaume Tell , 1829), que foi proibida na Áustria e apresentada em vários locais europeus em uma versão desarmada com outros heróis principais.

Giuseppe Verdi
Enrico Caruso, Bessie Abott, Louise Homer, Antonio Scotti, cantam o quarteto "Bella figlia dell'amore" do
Rigoletto de Verdi

Os contemporâneos e sucessores mais jovens de Rossini inicialmente copiaram seu estilo coloratura, até que Vincenzo Bellini e Gaetano Donizetti em particular conseguiram se emancipar do modelo avassalador com seu estilo próprio, um tanto mais simples, mais expressivo e mais romântico. Bellini ficou famoso pela declamação expressiva e sofisticada de seus recitativos e pelas melodias "infinitamente" longas e expressivas de suas óperas, como Il pirata (1827), I Capuleti ei Montecchi (1830), I puritani (1835), La sonnambula ( 1831), e especialmente Norma (1831). Bellini escreveu o papel-título desta ópera com a famosa ária "Casta diva", assim como Amina em La sonnambula , para a grande cantora Giuditta Pasta . A Norma é tão exigente que só pode ser cantada e interpretada por poucos grandes cantores, foi arrancada do esquecimento novamente pela interpretação histórica de Maria Callas .

Donizetti, alguns anos mais velho que ele, era um compositor extremamente trabalhador que, ao lado de Bellini e especialmente após sua morte prematura (1835), tornou-se o compositor de ópera italiano de maior sucesso. Ele teve seu primeiro grande avanço com Anna Bolena (1830), cujo papel- título também foi criado por Pasta e redescoberto por Callas. Por outro lado, Lucia di Lammermoor (1835) com a famosa cena louca rica em cores nunca desapareceu completamente do repertório e permanece ao lado das alegres óperas L'elisir d'amore (1832), Don Pasquale (1843) e La fille du régiment (1840) consistentemente no repertório das casas de ópera.

Os amplos arcos melódicos de Bellini impressionaram fortemente o jovem Giuseppe Verdi . Desde sua terceira ópera, Nabucco , foi considerado o compositor nacional da Itália, que ainda era governada pelos Habsburgos . O coro "Va, pensiero, sull 'ali dorate" tornou-se o hino nacional secreto do país. Musicalmente, a música de Verdi é caracterizada por um ritmo claro e fortemente enfatizado, sobre o qual se desenvolvem melodias simples, muitas vezes extremamente expressivas. Em suas óperas, nas quais Verdi, com um inconfundível instinto teatral, muitas vezes contribuiu para o livro didático, as cenas corais ocupam inicialmente um lugar importante. Verdi abandonou cada vez mais a ópera numérica tradicional; A tensão emocional constante exigia uma mistura variada de cenas e árias individuais. Com Macbeth , Verdi finalmente se afastou da ópera numérica e continuou em seu caminho de representação íntima de personagens. Com La traviata (1853, baseado no romance de 1848 A Dama das Camélias de Alexandre Dumas, o Jovem , que gira em torno da figura autêntica da cortesã Marie Duplessis ) ele trouxe pela primeira vez um tema contemporâneo ao palco da ópera, mas foi forçado pelos censores a parar a trama para se mudar do presente. Verdi costumava definir fontes literárias para a música, por exemplo, de Friedrich Schiller (por exemplo, Luisa Miller após Kabale und Liebe ou I masnadieri após Die Räuber ), Shakespeare ou Victor Hugo ( Rigoletto ). Com suas contribuições para a Grand Opéra escrita para Paris (por exemplo, Don Carlos , 1867), ele também renovou essa forma e assumiu elementos do drama musical de Richard Wagner com o falecido Otello , até que surgiu com a surpreendente comédia Falstaff (1893; poesia em ambos os casos, de Arrigo Boito ) compôs sua última de quase 30 óperas aos 80 anos. Provavelmente sua ópera mais popular é Aida , escrita em 1871.

Virada do século

Francisca Pomar de Maristany canta “Vissi d'arte” da Tosca de Giacomo Puccini - gravação de 1929

Depois que Verdi renunciou, os jovens veristas (italiano: vero = verdadeiro) conquistaram a cena na Itália. O naturalismo não embelezado era um de seus ideais estéticos mais elevados - consequentemente, versos bem escritos foram evitados. Pietro Mascagni ( Cavalleria rusticana , 1890) e Ruggero Leoncavallo ( Pagliacci , 1892) foram os compositores mais típicos deste período. Giacomo Puccini , por outro lado, cresceu em fama muito além dela e ainda é um dos compositores de ópera mais tocados até hoje. La Bohème (1896), uma pintura moral de Paris da virada do século, o "thriller político" Tosca (1900, baseado no drama homônimo de Victorien Sardou) e o Extremo Oriente Madama Butterfly (1904), com os inacabados Turandot (estreados postumamente em 1926), ainda em torno de outro exotismo acrescido, tornaram-se sucessos principalmente por causa de suas melodias. Puccini era um eminente artista teatral e sabia exatamente escrever para a voz; a instrumentação de suas partituras, em sua maioria definida para uma grande orquestra, é muito diferenciada e magistral. No momento, o compositor ítalo-alemão Alberto Franchetti , muito popular na época , está sendo redescoberto com relutância , apesar de seus três sucessos mundiais ( Asrael , Christoforo Colombo e Germania ). Comprometido com um ideal musical-dramático diferente do Veristen estava Alfredo Catalani , que ao mesmo tempo atuou e cujas obras, muito apreciadas pelo público, são intercaladas com elementos fantásticos. Sua última e agora mais conhecida ópera, La Wally, baseada no romance Die Geier-Wally de Wilhelmine von Hillern , estreou em 20 de janeiro de 1892 no Teatro alla Scala de Milão.

Início do século 20

Mary Garden como Melisande

França

Claude Debussy finalmente conseguiu se livrar da influência do alemão e, com Pelléas et Mélisande em 1902, criou um dos exemplos mais matizados da técnica leitmotiv adotada por Wagner . O texto original de Maurice Maeterlinck ofereceu muitos simbolismos ambíguos, que Debussy adotou na linguagem orquestral. As partes vocais eram quase inteiramente recitativas e ofereciam à “melodia infinita” de Wagner um contra-exemplo com o “recitativo infinito”. Uma das raras exceções que oferecem ao ouvinte uma linha vocal é a simples canção de Mélisande, que, por sua brevidade e falta de decoração, dificilmente pode ser considerada uma verdadeira ária.

Escola vienense

Depois de Richard Strauss , que inicialmente se tornou um expressionista romântico tardio com Salomé e Elektra , mas depois voltou aos estilos composicionais anteriores com Der Rosenkavalier e várias obras são tocadas com uma série de obras até hoje (por exemplo, Ariadne auf Naxos , Arabella , Die Frau ohne Shadow e Die Schweigsame Frau ), poucos compositores conseguiram encontrar um lugar permanente no repertório das casas de ópera. Em vez disso, as obras do passado foram (e são) mantidas. A inclusão de uma obra contemporânea no repertório padrão continua sendo a exceção.

Alban Berg conseguiu fazer isso com suas óperas Wozzeck , que foi apresentado como um tom livre, e Lulu , que faz uso total da música dodecafônica. O primeiro fragmento de Lulu foi concluído em sua forma de três atos por Friedrich Cerha para a apresentação em Paris sob Pierre Boulez e Patrice Chéreau . De ambas as óperas, Wozzeck em particular , na qual o conteúdo da peça e a visão musical encontram uma unidade, encontrou seu caminho no repertório de ópera familiar em inúmeras produções em grandes e pequenos palcos ao redor do mundo e alcançou uma posição indiscutível. É bastante semelhante com Lulu, que, no entanto, muitas vezes só pode ser dominado por estágios maiores por causa do esforço envolvido no trabalho. No entanto, ela inspira regularmente intérpretes importantes, como Anja Silja , Evelyn Lear , Teresa Stratas ou Julia Migenes .

Arnold Schönberg, 1948

De Arnold Schoenberg que são regularmente expectativa de monodrama  a primeira ópera para um cantor - - e o deliberadamente inacabado pelo compositor deixado para trás, as maiores demandas sobre o coro Vice-fronteira trabalho Moses e Aaron listados. Expectation, escrita já em 1909, mas não estreada até 1924 em Praga com Marie Gutheil-Schoder sob a direção de Alexander von Zemlinsky , demonstrou um fascínio específico por cantores (especialmente Anja Silja e Jessye Norman ), bem como por diretores ao longo dos anos após a Segunda Guerra Mundial (por exemplo, Klaus Michael Grüber com Silja 1974 em Frankfurt; Robert Wilson com Norman 1995 no Festival de Salzburgo ). Em 1930, Schönberg começou a trabalhar em Moses e Aron, que interrompeu em 1937; Depois de sua estréia encenada em Zurique em 1957, esta ópera provou sua adequação particular para o palco em várias apresentações internacionais, especialmente desde os anos 1970. Também é interessante que Moisés use um canto falado durante toda a ópera, cujo tom é predeterminado, enquanto Aron canta.

Novos desenvolvimentos na área de língua alemã

Caso contrário, a Escola de Viena não deixou mais vestígios no repertório padrão. Musicalmente, no entanto, todo compositor moderno teve que lidar com a música dodecafônica e decidir se continuaria trabalhando com base nela ou se pensaria em linhas tonais.

Hans Pfitzner foi um dos compositores mais importantes da primeira metade do século, que se apegou conscientemente às tradições tonais. Seu trabalho operístico mostra influências de Richard Wagner e dos primeiros compositores românticos, como Weber e Marschner. A música de Pfitzner é amplamente determinada pelo pensamento polifônico linear, a harmonia se move entre diatônico simples e cromático que vai até os limites da tonalidade. Das óperas de Pfitzner, a lenda musical Palestrina , que estreou em 1917, é a mais conhecida. Ele também escreveu: Pobre Heinrich , Die Rose vom Liebesgarten , Das Christ-Elflein e Das Herz .

Franz Schreker criou Der ferne Klang em 1912, uma das grandes óperas antes da Segunda Guerra Mundial , mas depois foi esquecida quando o Nacional-Socialismo retirou suas obras do repertório. Depois de muitas tentativas anteriores, a redescoberta realmente profunda deste compositor só começou na década de 1980, que, além de novas produções de Der ferne Klang ( Teatro La Fenice 1984, Wiener Staatsoper 1991), também produziu performances de Die Gezeichen , Der Schatzgräber ou Irrelohe . Timbres fortemente diferenciados desempenham um papel essencial na música de Schreker. Com Schreker, a harmonia cromática de Wagner é intensificada novamente, o que muitas vezes confunde os laços tonais além do reconhecimento.

Semelhante a Schreker, o vienense Alexander von Zemlinsky e o Brno Erich Wolfgang Korngold , cujas obras também passaram por momentos difíceis após 1945. Desde a década de 1980, os dois compositores conseguiram reconquistar um lugar no repertório internacional, Zemlinsky com roupas fazem as pessoas , mas especialmente A Florentine Tragedy , O Anão e O Rei Kandaules , Korngold com The Dead City .

A obra de Walter Braunfels também foi proibida pelos nacional-socialistas e só recebeu maior atenção a partir do final do século XX. Com sua ópera Die Vögel , Braunfels foi um dos compositores mais executados nos palcos de ópera alemã na década de 1920. A versatilidade estilística de suas obras é impressionante: se Princesa Brambilla oferece uma alternativa ao drama musical da Sucessão Wagneriana baseada na Commedia dell'arte , Die Vögel mostra a influência de Pfitzner. Com as últimas óperas Anunciação , O Sonho de uma Vida e Joana D'Arc - Cenas da Vida de Santa Joana , Braunfels se aproxima da linguagem tonal do hindemith posterior.

Um dos compositores de maior sucesso da geração mais jovem na década de 1920 foi Ernst Krenek , aluno de Schreker, que inicialmente causou sensação com obras expressionistas mantidas em livre atonalidade. Sua ópera de 1927, Jonny toca , que retoma elementos do jazz, foi um sucesso escandaloso . É um exemplo típico do gênero “Zeitoper” que surgiu naquela época, que tirou suas ações do cotidiano da época, que era fortemente determinado pela mudança nas diferentes modas. A música de Krenek foi posteriormente rejeitada pelos nacional-socialistas como "degenerada" e proibida. O compositor emigrou para os EUA e teve mais de 20 óperas em 1973, nas quais se reflete exemplarmente o desenvolvimento mutante da música do século XX.

Segunda Guerra Mundial

A Segunda Guerra Mundial marcou uma grande virada na história da Europa e da América, que também teve impacto no mundo musical. Na Alemanha, as óperas com sons modernos quase não eram tocadas e eram cada vez mais postas de lado. Um exemplo típico disso é Paul Hindemith , que na década de 1920 era considerado uma "burguesia" musical com obras como a ópera Cardillac , mas depois de 1930 finalmente encontrou um estilo moderadamente moderno com um caráter neoclássico. Math é o pintor (o compositor montou uma sinfonia muito tocada com partes desta ópera). Apesar da mudança de estilo, Hindemith sentiu claramente a rejeição porque Adolf Hitler se ofendeu pessoalmente com sua ópera Neues von Tag , que concluiu em 1929 . Finalmente, as obras de Hindemith foram rotuladas de “degeneradas” e sua execução foi proibida. Como outros artistas e compositores antes e depois dele, Hindemith foi para o exílio em 1938.

Tempo depois de 1945

Desenvolvimento geral

O período após 1945 foi caracterizado por uma clara internacionalização e individualização do negócio da ópera, o que fez com que a divisão anterior em tradições nacionais quase não parecesse significativa.

A ópera tornou-se cada vez mais dependente das influências individuais do compositor do que das tendências gerais. A presença constante dos “clássicos” do repertório operístico aumentou as demandas das óperas modernas, e cada compositor teve que encontrar sua própria maneira de lidar com o passado, continuando-o, alienando-o ou rompendo com ele. A seguir, surgiram várias vezes óperas que romperam as fronteiras do gênero e buscaram superá-las. No plano musical e textual, os compositores cada vez mais abandonaram o território familiar e incluíram o palco e a ação cênica na - muitas vezes abstrata - seqüência musical. Uma característica da expansão dos meios visuais no século 20 são as projeções de vídeo que inicialmente acompanham a ação e depois se tornam mais independentes.

Bo Skovhus como Lear na ópera de mesmo nome de Aribert Reimann na Ópera Estatal de Hamburgo 2012. Foto: Brinkhoff Moegenburg

Na crescente individualização da linguagem musical, as tendências podem, no entanto, ser reconhecidas na ópera da segunda metade do século XX: por um lado, as óperas literárias , cuja dramaturgia é amplamente baseada na tradição. Mas cada vez mais materiais e libretos atuais são usados ​​para esse fim. No entanto, duas obras pioneiras desta época são de todas as óperas que têm como base os clássicos da literatura, nomeadamente a ópera de Bernd Alois Zimmermann Os Soldados baseada em Jakob Michael Reinhold Lenz e Lear de Aribert Reimann baseada em William Shakespeare . Outros exemplos da ópera literária seriam Das Schloss de Reimann (após Kafka ) e Bernarda Albas Haus (após Lorca ). O material político também está cada vez mais sendo musicado, começando com Luigi Nono e Hans Werner Henze ; um exemplo mais recente é a ópera Kniefall de Gerhard Rosenfeld em Varsóvia sobre Willy Brandt , cuja estréia em 1997 em Dortmund teve pouco efeito sobre o público ou a imprensa e não resultou em nenhuma produção posterior.

Se as obras de Luigi Nono não podem mais ser classificadas como óperas literárias devido à sua linguagem musical experimental, a dramaturgia da ópera também é explorada por suas possibilidades experimentais. O termo ópera, portanto, sofreu uma mudança na segunda metade do século 20, muitos compositores o substituíram por teatro musical ou cenas musicais e só usaram o termo ópera para obras que estivessem explicitamente ligadas à tradição. Nas obras de compositores experimentais não se descobre apenas um manuseio criativo do texto e da dramaturgia, o palco, a formação orquestral e, por último, mas não menos importante, a própria música supera os padrões conservadores, o gênero não pode mais ser claramente delimitado aqui . Além disso, novas mídias, como vídeo e eletrônica, estão sendo usadas, mas o drama, a dança e a performance também estão encontrando seu caminho na ópera.

Outro compositor italiano incorpora sua própria voz no teatro musical contemporâneo: Salvatore Sciarrino . Com seu interesse pelos timbres ou pelo silêncio na música, ele cria. Algumas das obras são inconfundíveis graças às técnicas de composição do Renascimento (por exemplo, em sua ópera Luci mie traditrici de 1998 sobre a vida do compositor madrigal Carlo Gesualdo ).

Benjamin Britten trouxe a Inglaterra moderna para o palco da ópera internacional. As mais conhecidas de suas óperas mais tonais são Sonho de uma noite de verão , baseado nas peças de William Shakespeare , Albert Herring , Billy Budd e Peter Grimes . O amor e o talento de Britten para a pintura sonora foram demonstrados repetidas vezes, principalmente na representação do mar.

Os Dialogues des Carmélites (Conversas das Carmelitas , estreada em 1957), de Francis Poulenc, são considerados uma das obras mais importantes do teatro musical moderno. A base é o material histórico dos mártires de Compiègne , que em 1794 subiram ao cadafalso cantando sob os olhos do tribunal revolucionário depois de se recusarem a quebrar seus votos religiosos. A segunda ópera famosa para um único cantor também remonta a Poulenc: em La voix humaine , a pessoa simplesmente chamada de “mulher” se quebra por causa da infidelidade de seu amante, que a dispensa pelo telefone. Luciano Berio também usou um coro de comentário para a personagem principal feminina “Sie” em Passaggio .

O compositor Philip Glass , que prendeu a Música Mínima , não usou mais frases conectadas para Einstein on the Beach , mas em vez disso usou números, sílabas de solfejo , palavras sem sentido. A apresentação dos acontecimentos em palco foi decisiva. Em 1976 foi criado o Einstein on the Beach , a primeira parte de uma trilogia em que Satyagraha e Akhnaton também estão representados - homenagens a personalidades que mudaram a história mundial: Albert Einstein , Mahatma Gandhi e o Faraó egípcio Akhnaton . As obras de Glass têm mostrado grande apelo público , especialmente em conexão com as produções agradáveis ​​de Robert Wilson ou Achim Freyer .

As obras teatrais de Mauricio Kagel são quase sempre obras sobre música ou sobre o próprio teatro, o que pode ser melhor classificado como "ação cênico-musical" - a música dificilmente é fixada, já que Kagel se permite ser improvisado livremente por seus intérpretes que usam instrumentos não (Zips, mamadeiras, etc.) ou usá-los de forma incomum, cantar sílabas sem sentido ou criar ações e / ou música por acaso ou leitura improvisada. Com humor, Kagel criticava o estado e o teatro, os militares, a indústria da arte, etc. Sua obra mais famosa, Staatstheater , causou escândalos , nos quais os mecanismos ocultos do teatro são trazidos à tona.

Luigi Nono , por outro lado, usava sua música para acusar males políticos e sociais. Isso se torna particularmente claro em Intolleranza 1960 , onde um homem em uma viagem ao seu país vivencia manifestações, protestos, tortura, campos de concentração , prisão e abusos até e incluindo uma enchente, e finalmente percebe que sua casa é onde ele é necessário.

Um compositor muito produtivo foi Hans Werner Henze , que recebeu o Prêmio Imperiale da Japan Art Foundation (o chamado Prêmio Nobel de Arte ) em 2003 . Desde o início ele entrou em conflito com as correntes predominantes da música contemporânea na Alemanha, algumas das quais eram dogmaticamente orientadas (palavra-chave Darmstadt ou Donaueschingen , veja acima), adotou técnicas seriais , mas também utilizou técnicas de composição completamente diferentes, incluindo a aleatória . No início de sua carreira operística, trabalhou com o poeta Ingeborg Bachmann ( The Young Lord , 1952, e a adaptação de Kleist The Prince of Homburg , 1961). The Elegy for Young Lovers (1961) foi escrita com WH Auden e Chester Kallman, os libretistas da ópera The Rake's Progress , de Stravinsky . Mais tarde, ele musicou libretos de Edward Bond ( The Bassarides , 1966 e The English Cat , 1980). Sua obra L'Upupa e o Triumph of Son's Love estreou em 2003 no Festival de Salzburg. Henze, que viveu na Itália por muitas décadas, promoveu e influenciou de forma sustentável muitos compositores mais jovens. A Bienal para o Novo Teatro Musical, que ele fundou, existe em Munique desde 1988 .

O parlamento mundial da primeira cena de QUARTA-FEIRA, do ciclo de ópera de Stockhausen, LUZ. Birmingham Opera 2012

Karlheinz Stockhausen completou sua heptalogia LIGHT, que iniciou em 1978, em 2005 . Com sua obra principal, ele deixa para trás uma obra monumental que trata de temas religiosos, composta por sete óperas, cada uma representando um dia da semana. As primeiras óperas foram estreadas em Milão ( quinta , sábado , segunda ), em Leipzig foram tocadas pela primeira vez na terça e sexta - feira . Na sua totalidade, a complexa obra, com um total de 29 horas de música, ainda não foi executada, até pelas imensas dificuldades de organização.

A ópera Das Mädchen mit den Schwefelhölzern de Helmut Lachenmann atraiu a atenção na Alemanha em 1996 . É baseado na famosa história de Natal de Hans Christian Andersen . De uma forma idiossincrática e com técnicas instrumentais parcialmente novas, Lachenmann converte a sensação de frio em som.

De acordo com as estatísticas da Operabase , os cinco compositores de ópera viva mais interpretados nas cinco temporadas de 2013/14 a 2017/18 são os americanos Philip Glass , Jake Heggie , o inglês Jonathan Dove , o holandês Leonard Evers e o inglês Thomas Adès . A Operabase nomeia Peter Lund no dia 8, Marius Felix Lange no 11, Wolfgang Rihm no 14, Ludger Vollmer no 17 e Aribert Reimann no 23 lugar como os compositores alemães mais tocados .

Desde a ópera de conto de fadas de Humperdinck, Hansel e Gretel , os compositores de ópera têm escrito repetidamente óperas infantis , como B. Henze ( Pollicino , 1980), Oliver Knussen ( Onde vivem os caras selvagens , 1980 e 1984) e Wilfried Hiller ( Tranquilla Trampeltreu , Norbert Nackendick , Der Rattenfänger , Eduard auf dem Seil , Wolkenstein e Der Goggolori ).

Outros compositores de ópera importantes dos séculos 20 e 21

forma

As óperas são caracterizadas por uma variedade de formas, que são determinadas por estilos composicionais convencionais, bem como por soluções individuais dos compositores. Portanto, não existe uma fórmula geral para sua estrutura. Grosso modo, no entanto, pode-se ver um desenvolvimento da ópera numérica, passando por muitas formas diferentes e mescladas, até a ópera totalmente composta por volta de 1900.

Ópera numérica

Do período barroco à era romântica, a ópera é uma série de peças musicais independentes (" números ") que são ligadas por recitativos ou (no Singspiel ) por diálogos falados e representam um enredo contínuo . Como o drama, uma ópera pode ser dividida em atos , imagens , cenas ou aparições . Os componentes musicais da ópera são diversos:

Música instrumental

  • Uma peça musical independente é a abertura , geralmente sinfonia italiana , que abre uma ópera ou um ato. Desde o século 19, o material temático da ópera tem sido cada vez mais citado, ou a abertura descreve características essenciais da trama, que também é conhecida como a “abertura do programa” (por exemplo, Der Freischütz , 1821, de Carl Maria von Weber ). Aberturas clássicas e românticas também são usadas separadamente da ópera como peças de concerto. É por isso que às vezes há duas conclusões para uma abertura: uma que leva à ópera e um chamado final de concerto.
  • A introdução ou prelúdio é geralmente mais curta do que uma abertura e muitas vezes vai direto para a primeira cena (por exemplo, Der Rosenkavalier , 1911, de Richard Strauss ).
  • Um entrato ou interlúdio da orquestra conecta nus, imagens ou cenas. Essas passagens são freqüentemente usadas para transformações no palco. Em alguns casos, os interlúdios são executados separadamente da peça de teatro da qual se originam como peças de concerto ( L'Arlésienne , 1872, ou os interlúdios de Carmen , 1875, de Georges Bizet , Four Sea Interludes from Benjamin Britten's Peter Grimes , 1945).
  • A ópera francesa, em particular, tradicionalmente contém músicas de balé mais longas , mas isso foi cada vez mais omitido nas apresentações no século XX. O balé das freiras de Robert le diable (1831) de Giacomo Meyerbeer , o balé cortês de Don Carlos de Giuseppe Verdi (1867) ou o bacanal no início da versão parisiense de Tannhäuser de Wagner e a guerra do cantor em Wartburg (1861) tornaram-se conhecidos.
  • Muitas óperas também contêm danças de salão individuais , marchas , mímica , apresentação musical, etc. As primeiras óperas francesas são uma série de pequenas peças de dança ( decidido o divórcio ).

Formas líricas fechadas

Passagens e números orientados para a ação

  • O recitativo é uma configuração de texto que se adapta ao ritmo e à melodia da fala . É usado principalmente para transmitir ação, especialmente em cenas de diálogo. Na música barroca e clássica, é feita uma distinção entre recitativo secco , (ital. Secco , seco) e recitativo accompagnato (ital. Accompagnato , acompanhado). No secco recitativo, apenas a parte vocal e o baixo são notados, posteriormente também os acordes associados como baixo figurado ou na forma escrita. O cantor é acompanhado por um ou alguns instrumentos, principalmente um baixo e um instrumento de harmonia (dedilhada ou instrumento de teclado). No século XVIII, essa tarefa coube cada vez mais apenas ao cravo e, posteriormente, também ao forte piano . No recitativo Accompagnato, o acompanhamento é composto para a orquestra, muitas vezes relacionado a uma ária, cuja situação ela prepara.
  • A cena, italiana Scena , originou-se no século XIX do recitativo de ação e é acompanhada pela orquestra. Normalmente, isso é seguido por uma ária.
  • O melodrama consiste em falar acompanhado de música, como em Rauchfangkehrer de Antonio Salieri (1781), a cena da masmorra de Fidelio de Ludwig van Beethoven (1805/1814) e a cena de Wolfsschlucht de Der Freischütz de Carl Maria von Weber (1821) ou apenas um pantomima acompanhada de música como em La muette de Portici (1828) de Daniel-François-Esprit Auber ou Suor Angelica de Giacomo Puccini (1918). O melodrama forma uma forma independente, que incluía obras inteiras como Die Zauberharfe de Franz Schubert (1820), mas agora desapareceu dos teatros. A música do cinema de hoje se baseia no efeito do melodrama .

Formulário grande completamente composto

A separação dos números e a distinção entre recitativo e ária foram questionadas no século XIX. A partir de 1825, o secco recitativo desapareceu gradativamente, ocupando seu lugar na literatura italiana com o princípio da scena ed ária , que Giuseppe Verdi utilizou para formar os atos em um todo musical mais amplo. A partir de meados do século, Richard Wagner propagou o abandono da estrutura numérica em favor de um todo bem composto formado com base em leitmotifs . Para as óperas de Wagner, o termo drama musical prevaleceu, a palavra-chave " melodia infinita " significa uma progressão contínua de desenvolvimento musical e emocional, que em sua opinião deveria prevalecer sobre as formas musicais de dança. Wagner descreveu sua ópera Tristan und Isolde (1865) como “enredo na música”, que deve ser uma reminiscência dos termos operísticos originais “favola in musica” ou “dramma per musica”.

A forma totalmente composta foi geralmente preferida no final do século 19, também por Jules Massenet e Giacomo Puccini , e permaneceu o modelo predominante do início do modernismo ao neoclassicismo , que experimentou estruturas frágeis e referências a formas do início da história operística. Partes independentes de óperas totalmente compostas também são apresentadas em concertos, como muitas árias de óperas de Puccini. Richard Strauss é considerado o mestre da forma bem composta em larga escala, que o demonstrou particularmente nas peças de um ato Salomé , Elektra e Ariadne auf Naxos .

No século 20, muitos compositores voltaram ao princípio dos números, por exemplo Zoltán Kodály , Igor Stravinsky ou Kurt Weill . A ópera numérica também continua em operetas e musicais .

Ópera séria e ópera buffa

Na história da ópera houve principalmente um estilo "alto" e um "baixo", seguindo livremente a antiga distinção entre tragédia e comédia . No entanto, isso nem sempre significa uma linha entre o sério e o engraçado. O estilo “alto” pode elevar-se acima do “inferior” simplesmente por meio de materiais antigos ou de figuras nobres ou por meio de um modelo “literário” que deve ser levado a sério ou por meio de música “difícil” (ou simplesmente composta ). Todas essas indicações do que é mais valioso foram atacadas ao longo da história. Houve gêneros que tentaram enfraquecer o contraste, como a semisseria da ópera.

Enquanto a ópera ainda se encontrava em fase experimental, como no início do século XVII, a separação não era necessária. Só aconteceu quando as apresentações de ópera se tornaram comuns, e por razões sociais: a ópera séria continha pessoal aristocrático e “alto” simbolismo político, a história em quadrinhos apresentava personagens burgueses e ações cotidianas “insignificantes”. Gradualmente, Opera seria e Tragédie lyrique se separaram de seus interlúdios cômicos , dos quais surgiram Opera buffa e Opéra-comique . Essa separação só foi rompida no final do século 18: Como os cidadãos não queriam mais ser retratados de maneira cômica (ou seja, ridícula) no gênero de ópera "inferior" destinado a eles, o cômico foi muitas vezes transformado em algo sentimental e valorizado. Portanto, “óperas engraçadas” muitas vezes não são engraçadas. Após a Revolução Francesa , a cláusula de classe foi dissolvida e as óperas burguesas foram autorizadas a ser “sérias”. Assim, diferentes demarcações entre tragédia e comédia surgiram no século XIX e não no século XVIII.

Um termo coletivo para obras trágicas e cômicas é dramma per musica italiano , como a ópera era chamada em seus primeiros dias. Um exemplo de uma das primeiras óperas sérias é Il ritorno d'Ulisse in patria, de Claudio Monteverdi . A afirmação séria resulta do recurso a materiais teatrais antigos - especialmente tragédias - e poemas heróicos épicos . Eles foram substituídos por assuntos históricos mais recentes desde o final do século XVIII. Na Itália do século 19, o termo dramma era usado na composição do melodrama e não mais relacionado ao drama antigo. Tanto a trágica ópera Norma de Bellini quanto a ópera cômica L'elisir d'amore, de Gaetano Donizetti, receberam esse nome.

Estilo "alto"

A opera seria não se estabeleceu como termo fixo até o século XVIII. Formas mistas ou conteúdo tragicômico foram excluídos com este título. A ópera Radamisto de Handel é uma obra típica. Como antípoda da Itália, a França deu à sua própria forma de ópera séria o título Tragédie lyrique , amplamente influenciada por Jean-Baptiste Lully e o balé na corte de Luís XIV , mais tarde por Jean-Philippe Rameau . Após a Revolução Francesa, a grand opéra gradualmente se estabeleceu como uma ópera séria e burguesa. Estes incluem Les Huguenots de Giacomo Meyerbeer , bem como obras de menor sucesso, como Les Troyens de Hector Berlioz .

O drama musical bem composto do mais maduro Richard Wagner ( O Anel do Nibelung ) teve uma grande influência internacional. Compositores franceses da época, como Massenet , por outro lado, optaram por um estilo de ópera transparente e vocal, para o qual foi utilizado o termo drame lyrique . Até Debussy usou esse termo para sua ópera Pelléas et Mélisande .

O material da ópera sempre veio de romances , contos ou obras teatrais . A ópera italiana do século 18 se via como uma literatura vestida de música . Desde então, a música passou a ser a predominância absoluta, ou seja, desde o final do século 19, é conhecida como óperas extremamente literárias, ópera literária . Death in Venice de Benjamin Britten baseado em Thomas Mann é uma tradução muito fiel do material literário em música.

Estilo "inferior"

A ópera buffa é a forma original da ópera alegre. O La serva padrona de Pergolesi foi considerado o exemplo principal em meados do século XVIII. Um exemplo tardio é Il barbiere di Siviglia de Gioachino Rossini . As óperas excepcionalmente alegres eram freqüentemente menos consideradas do que as sentimentais. Seus tecidos vêm do teatro popular e do pelotão , fortemente influenciados pela Commedia dell'arte italiana .

A opéra-comique francesa (tipo de trabalho) surgiu a partir do início da ópera buffa , que antes da revolução se tornou a ópera de uma classe média cada vez mais autoconfiante. No início, isso foi entendido como mais um jogo de música ( vaudeville ). Mas a parte musical cresceu e começou a predominar. O Singspiel de língua alemã emergiu da Opéra-comique . O Singspiel costuma ter um caráter popular e burguês, é caracterizado por canções simples ou formas de rondo e usa diálogos falados em vez de recitativos e, ocasionalmente, melodramas entre os números musicais.

O tribunal falava francês. O problema da ópera alemã do século 18 e, até certo ponto, ainda do século 19, era que, como ópera vernácula, pertencia ao gênero "inferior" e precisava se afirmar e emancipar. O Rapto do Serralho de Wolfgang Amadeus Mozart é um dos Singspiele mais famosos com esse objetivo. Mozart também usa formas musicais mais complexas para as árias. A obra, que foi encomendada pelo imperador Joseph II para estabelecer uma peça de canto nacional e estreada em 1782 no Burgtheater em Viena , foi de importância decisiva para o desenvolvimento da ópera alemã.

Paris foi um líder na história da ópera no século 19, e italianos como Rossini e Verdi também vieram para cá. A Opéra-comique , que era apresentada na casa da Opéra-Comique , permaneceu secundária à recém-criada e bem composta Grand opéra , que era apresentada na Opéra - menos em termos de sua importância musical do que de seu significado social. Pelas razões mencionadas, não precisava ser necessariamente alegre. Um exemplo de uma ópera comique cômica e sentimental, também conhecida na região de língua alemã, é The Postillon de Lonjumeau de Adolphe Adam . Um grupo de obras que ainda pode ser formalmente referido como Opéra-comique após 1860 reforçou o caráter básico sentimental (como Mignon de Ambroise Thomas ). Um elemento sentimental também pode ser encontrado em algumas óperas cômicas de Rossini ( La Cenerentola ).

Uma renovação da ópera-comique teve sucesso com Carmen por Georges Bizet , cujo drama aponta na direção da ópera verismo . Com ela - além das figuras proletárias - o sombrio era uma característica do estilo "inferior".

Grande ópera - ópera de câmara

O "tamanho" também pode ser um sinal de estilo alto ou baixo. Às vezes, o termo “grande ópera” é usado como subtítulo de uma obra. Isso significa, por exemplo, que a orquestra e o coro devem tocar e cantar em grande elenco, ou que a ópera é uma obra completa com balé integrado. São óperas que só podem ser executadas em um teatro maior e que podem diferir do repertório das tropas itinerantes. Um exemplo de uma “grande ópera” é Manon de Jules Massenet .

O termo ópera de câmara , por outro lado, refere-se a uma obra que pode ser realizada com pouco pessoal. O número de cantores normalmente não ultrapassa cinco, a orquestra é limitada a uma orquestra de câmara . Isso poderia surgir das agruras da pobreza material e, portanto, referir-se ao gênero “inferior” ou, ao contrário, significar a maior exclusividade e concentração de um gênero “superior”. O palco também costuma ser menor, o que pode contribuir para um ambiente mais intimista, o que é benéfico para o efeito do trabalho. Os exemplos seriam Albert Herring de Benjamin Britten ou “Les Larmes de couteau” de Bohuslav Martinů .

Gênero ou apenas legendas?

Alguns compositores de ópera também resistiram à classificação em tradições de gênero ou deliberadamente se referiram a suas obras com certas legendas em relação a elas. De Wagner Tristão e Isolda transporta, por exemplo, o termo "ato na música", Luciano Berio usado por seu trabalho Passaggio sobre o termo "messa em Scena" ( 'encenação'). George Gershwin descreveu seu trabalho Porgy and Bess como "An American Folk Opera". Para se distanciarem de ideias clichês, os compositores modernos costumam preferir nomes alternativos como "azione scenica" ( Al gran sole carico d'amore de Luigi Nono) ou "azione musicale" ('ato musical', Un re in ascolto de Luciano Berio). Até a famosa ópera de Peter Tchaikovsky, Eugene Onegin, foi chamada pelo compositor de "cenas líricas".

Outras formas especiais

Em 2016 Richard Geppert escreveu a ópera rock alemã Freiheit com os meios de expressão musicais e instrumentos da música rock .

Existem alguns exemplos de óperas - incluindo a obra Os Fantasmas de Versalhes , de John Corigliano , que estreou em 1991 - que são autorreferenciais em termos de forma , já que contêm drama ou ópera.

Prática performática da ópera

repertório

Devido ao fato de que o gênero da ópera nem sempre é fácil de distinguir de outros gêneros musicais e da prática dos pasticcios , uma declaração sobre o escopo geral do repertório operístico é repleta de inúmeras dificuldades. As listas atuais pressupõem cerca de 5.800 a 6.000 trabalhos conhecidos. Se você incluir o número considerável de obras perdidas e perdidas, especialmente do século 18 e início do 19, um total de cerca de 60.000 óperas deve ser realista.

Katarina Karnéus como Serse na Ópera Sueca de Estocolmo, 2009

O grande número de obras não facilita aos teatros e óperas uma seleção que atenda a elevados padrões e também encontre público suficiente. Dependendo do tamanho do teatro e do orçamento existente há direção artística e dramaturgia para cada divisão do teatro (atuação, teatro musical, balé, teatro infantil, teatro de fantoches , etc.), um Cronograma elaborado adaptou a casa e seus funcionários. A programação leva em consideração as peculiaridades regionais e as tradições performáticas do lugar - por exemplo, por meio de festivais ao ar livre, shows de Natal ou Reveillon - mas também indica as tendências atuais do teatro musical, apresentando também obras contemporâneas. Dependendo do tamanho da casa, diferentes óperas são encenadas novamente em uma temporada . A primeira apresentação pública de uma nova ópera é chamada de estréia , a primeira apresentação pública de uma ópera em uma nova produção é chamada de estréia .

Pouco a pouco, um cânone de óperas experimentado e testado, mais ou menos estreito, foi surgindo, regularmente no programa. Cerca de 150 óperas constituem esse cânone não fixo em seu núcleo. Consequentemente, o interesse da seção de recursos em particular mudou das obras já conhecidas para sua interpretação , com a encenação passando para o primeiro plano. O público frequentemente associa suas óperas favoritas a certas tradições, algumas das quais estão congeladas em convenções , e reage de forma controversa a abordagens interpretativas radicais ( teatro de direção ).

Linguagem das performances

Até meados da década de 1960, as óperas eram executadas principalmente no idioma local do local onde eram apresentadas. As óperas de Verdi na Alemanha eram cantadas em alemão e as óperas de Wagner na Itália em italiano, conforme mostrado em gravações de rádio e televisão. Mesmo antes disso, porém, havia teatros que apresentavam óperas no respectivo idioma original, como o Metropolitan Opera de Nova York. O Festival de Salzburgo sempre apresentou óperas apenas na língua original. Com base em um contrato com o La Scala de Milão , no qual cantores italianos se comprometeram a cantar também na Ópera Estatal de Viena , Herbert von Karajan introduziu o princípio de executar óperas na língua original na Ópera Estatal de Viena em 1956. Com seu raciocínio de que a unidade da palavra e da música se perdia na tradução para outro idioma, as óperas foram gradualmente sendo executadas cada vez mais em sua forma original. O mercado fonográfico e de cantores, cada vez mais internacionalizado, também deu um contributo decisivo para este desenvolvimento. Na RDA, por outro lado, ainda havia uma grande tradição de traduções, mas novas traduções (por exemplo, Walter Felsenstein , Siegfried Schoenbohm ) tentaram traduzir o conteúdo do original com mais precisão, linguisticamente com mais sucesso e, acima de tudo, musicalmente mais adequadamente. Hoje, em quase todas as grandes casas de ópera, as óperas são executadas no idioma original com legendagem simultânea .

Em muitos teatros menores, especialmente no leste da Alemanha, ainda há apresentações em alemão. Existem também vários teatros de ópera em algumas cidades (por exemplo, Berlim, Munique, Viena), um dos quais executa óperas em traduções, como o Volksoper Wien , o Komische Oper Berlin , o Staatstheater am Gärtnerplatz em Munique, ou em Londres o English National Opera . De vez em quando também há uma tradução autorizada (como no caso das óperas de Leoš Janáček , cujo texto alemão vem do amigo de Janáček, Max Brod , de modo que o texto alemão também pode ser considerado original). Atuar na língua original é sempre difícil quando há diálogos na obra. Também existem formas mistas aqui, ou seja, os textos falados são traduzidos, mas os sons cantados estão no idioma original. A performance de teatro musical traduzida é, portanto, muito difundida no campo do singspiel , opereta e musicais . A dramaturgia do teatro é responsável pela tradução exata de uma língua estrangeira. Para aprofundar as competências linguísticas dos répétiteurs , também são convocados treinadores especializados em línguas estrangeiras.

Veja também

literatura

Livros

Jornais de comércio

Links da web

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Evidência individual

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  3. Resumo, ver: Wolfgang Osthoff: Monteverdi: L'incoronazione di Poppea . In: Carl Dahlhaus (Ed.): Piper Encyclopedia of Music Theatre . Volume 4. Munich 1991, pp. 253-259.
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  7. Os fantasmas de Versalhes. Recuperado em 7 de julho de 2019 .
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