Arte nos estados unidos

A arte nos Estados Unidos se distanciou no século 20 pelos modelos do Velho Mundo . As diferentes disciplinas culturais foram expandidas em novas direções - com resultados impressionantes e inovadores.

Música, cinema, teatro, dança e arquitetura, assim como outras formas de expressão artística, foram enriquecidas e mudadas. A cena da arte contemporânea e do entretenimento nos EUA incluiu o rejuvenescimento da música, novos desenvolvimentos na dança moderna, o uso de temas americanos originais no teatro, a produção de filmes independentes de estúdio em toda a sua gama e a globalização das artes visuais.

arquitetura

A casa Fallingwater foi construída na segunda metade da década de 1930 de acordo com os planos de Frank Lloyd Wright e agora é um museu.

A arquitetura americana é incomumente complexa, tanto em termos das diferentes tradições que a influenciaram quanto na diversidade de estilos arquitetônicos . Quando os primeiros colonizadores europeus chegaram ao país, os indígenas já haviam desenvolvido suas próprias estruturas arquitetônicas, como o pueblo , o hogan , a maloca e o tipi .

No século 18 , a arquitetura era principalmente pragmática . Diferentes estilos se desenvolveram, influenciados pelas tradições que os imigrantes trouxeram consigo e pelas condições regionais.

O século 19 viu uma taxa extraordinária de urbanização . Embora não houvesse nenhuma regulamentação de construção pública, surgiram bairros urbanos claramente demarcados com elegantes casas geminadas , prédios de apartamentos e apartamentos para alugar . Em meados do século XIX, o espírito romântico manifestou-se no renascimento de vários estilos arquitetónicos, por exemplo o estilo neo-grego com colunas simétricas e o neogótico com formas pontiagudas, tortas e assimétricas. A aparência dos distritos comerciais mudou com a invenção do arranha - céu . Desde a década de 1880, arquitetos e engenheiros em Chicago e Nova York experimentaram novos métodos de construção para atingir alturas cada vez maiores. O arranha-céu é a contribuição mais marcante da América para a arquitetura. O primeiro arranha-céu do mundo foi o Home Insurance Building , construído em Chicago de 1884 a 1885. Os mais elegantes dos primeiros arranha-céus são de Louis Sullivan , o primeiro grande arquiteto moderno da América e professor de Frank Lloyd Wright .

Na década de 1930, arquitetos europeus que emigraram para os Estados Unidos antes da Segunda Guerra Mundial influenciaram o desenvolvimento de uma abordagem rigorosa e funcional, considerada anônima e desprovida de tradições locais, que ficou conhecida como Estilo Internacional . Entre os mais influentes estavam Ludwig Mies van der Rohe e Walter Gropius , ambos ex-diretores da famosa escola de design alemã, a Bauhaus . Os edifícios geométricos receberam elogios e críticas.

No período pós-guerra, a diversidade da arquitetura tornou-se ainda mais aparente do que antes. Os arranha-céus atingiram novos patamares e ao mesmo tempo exibiram uma extraordinária variedade de cores e motivos decorativos. A conversão de edifícios históricos tornou-se prática comum. Hoje, uma nova geração de arquitetos está tomando a liberdade de incorporar elementos novos e antigos em seus edifícios.

Artes visuais

Albert Bierstadt : Lago Tahoe (1868)
Winslow Homer : Breezing Up (1870)

Localizados no National Mall em Washington, DC , os museus e monumentos abrigam uma enorme coleção de obras de arte e objetos que documentam o passado e o presente da cena artística e da sociedade americana. A National Gallery of Art Sculpture Garden , a mais nova atração do National Mall, é um lugar para descansar com árvores frondosas, cursos d'água e obras de arte modernas.

A primeira escola americana de pintura conhecida, a Hudson River School , surgiu em 1820. Como com a música e a literatura, o desenvolvimento independente das artes visuais americanas foi atrasado até que os artistas perceberam que o Novo Mundo oferecia seus próprios temas. A franqueza e simplicidade do ponto de vista dos pintores do Rio Hudson influenciaram artistas posteriores, como B. Winslow Homer , que capturou a zona rural dos EUA em suas fotos. A vida urbana de classe média encontrou seu pintor em Thomas Eakins , um realista intransigente cuja sinceridade inabalável minou a preferência da nobreza pelo sentimentalismo romântico . Logo, elementos polêmicos se tornaram o estilo dos artistas americanos. A pintura e a escultura americanas foram uma revolta contra a tradição desde o início do século XX. “ Para o inferno com os valores artísticos ”, anunciou Robert Henri . Ele foi um líder no que é criticamente conhecido como a escola “ ash-can ” (lata de lixo), batizada em homenagem a retratar os aspectos repulsivos da vida na cidade, a Escola Ashcan .

Nos anos após a Segunda Guerra Mundial, um grupo de jovens artistas nova-iorquinos formou o primeiro movimento verdadeiramente americano que também teria um grande impacto sobre os artistas estrangeiros: o expressionismo abstrato . Jackson Pollock , Willem de Kooning e Mark Rothko estavam entre as principais forças do movimento . A próxima geração de artistas preferiu uma forma completamente diferente de abstração: obras de uma mistura de mídias. Essa geração incluiu Robert Rauschenberg e Jasper Johns , que usaram fotos, recortes de jornais e objetos de lixo para suas composições. Artistas pop como Andy Warhol , Larry Rivers e Roy Lichtenstein reproduziram objetos do cotidiano e imagens da cultura pop americana , como garrafas de Coca-Cola, latas de sopa e quadrinhos, com precisão satírica . Uma espécie de ironia lúdica é sem dúvida a contribuição mais significativa dos Estados Unidos para a arte mundial no século 20, porque novas obras são criadas principalmente como uma contribuição para a discussão em curso sobre a definição de arte. veja também: New York School , Lyrical Abstraction , Black Paintings .

Os artistas contemporâneos americanos não querem se comprometer com escolas, estilos ou um único meio. A arte americana não é mais determinada simplesmente pela geografia, origem ou ponto de vista. A globalização dos mercados, a facilidade de comunicação mundial e a peregrinação nômade dos artistas de um país para outro contribuíram, em vez disso, para uma paisagem da arte sem identidades nacionais fixas.

Não é mais possível descrever a arte americana moderna como uma série de desenvolvimentos formais ou uma série sequencial de estilos de arte. Em vez disso, a arte oferece uma maneira de filtrar as informações variadas e contraditórias que nos bombardeiam de todos os lugares. A arte moderna usa todas as disciplinas, todas as tradições artísticas e métodos de apresentação e, portanto, torna-se tão complexa, provocativa e intelectualmente desafiadora quanto o mundo em que é criada.

música

Música clássica

A história das artes nos Estados Unidos é caracterizada por duas fortes fontes de inspiração e a tensão resultante: sofisticação europeia e originalidade nativa. Até o final do século 19, não havia música clássica nos Estados Unidos no verdadeiro sentido da palavra, ou seja , sinfonia , ópera , música de câmara , sonatas, etc. Em 1895, o compositor Antonín Dvořák pediu a seus colegas americanos que usassem fontes locais como inspiração e uso do material. Como exemplo do que é viável, ele ofereceu sua sinfonia “Do Novo Mundo”, que se inspira na música sacra e ritmos indianos.

No início do século 20, os compositores americanos começaram a criar uma variedade considerável de música clássica distintamente americana. Eles foram inspirados, entre outras coisas, pelo desejo de assimilação dos imigrantes, pelo isolacionismo político , pelos ritmos emocionantes do jazz e por uma atitude “posso fazer”. Compositores como George Gershwin e Aaron Copland combinaram melodias e ritmos do Novo Mundo com formas de música europeias. As características da composição na maior parte do século XX, e especialmente para o período posterior à Segunda Guerra Mundial, são a alegria da experimentação e a busca constante por novos sistemas de como a música pode ser escrita, por novas formas e novos estilos. Charles Ives (1874–1954) é considerado por muitos como o “primeiro” compositor genuinamente americano.

A apresentação de "Leonora" por William Henry Fry em 1845 foi a primeira apresentação conhecida de uma ópera de um compositor americano. Muitas das primeiras óperas americanas basearam-se no conteúdo europeu clássico, mas no final do século XIX os compositores cada vez mais se voltaram para temas americanos. Hoje a ópera - antiga e nova - está prosperando, mas como as produções são muito caras, as óperas dependem de financiamento de empresas e patrocinadores privados .

Estilos extremamente novos e experimentais se estabeleceram desde Charles Ives . Alguns compositores, como Edgar Varèse , rejeitaram completamente as melodias e a harmonia tradicionais, enquanto outros, como John Cage , experimentaram música eletrônica e sons naturais. Harry Partch construiu seu próprio conjunto de instrumentos e experimentou novos humores em sua música multimídia influenciada pelas culturas asiáticas, e Henry Cowell foi um dos mais importantes teóricos da vanguarda musical, além de seus experimentos composicionais . Tanto Varese como Cage, assim como os representantes da música minimal , exerceram grande influência sobre os compositores contemporâneos, não só no campo da música clássica, mas também no que diz respeito a outros géneros. Alguns maestros de orquestra conseguem manter o público tradicional feliz e, ao mesmo tempo, apresentam novos estilos de música. Em vez de tocar novas peças separadamente, eles as colocam no programa ao lado de peças mais tradicionais.

Blues e jazz

Blues é um tipo de música originalmente americano. Surgiu de uma mistura de tradições musicais europeias e africanas. Os escravos eram frequentemente proibidos de fazer música. No entanto, alguns escravos aprenderam instrumentos europeus. Eles transferiram sua forma tradicional de fazer música para canções europeias. Eles também foram autorizados a cantar na igreja. Eles freqüentemente usavam metáforas religiosas e outras para relatar sobre seu extremo sofrimento e desejo de liberdade. A maior parte do blues era cantada no sul . Não se espalhou para o norte até as décadas de 1930 e 1940, quando muitos negros migraram do sul para o norte industrializado. Na década de 1920, o blues foi cada vez mais usado por instrumentistas de jazz.

O Jazz é considerado a primeira forma musical genuinamente americana. Tem suas raízes no New Orleans Jazz do início do século XX. Naquela época, consistia em uma mistura de ragtime , canções de escravos e metais. Uma característica do jazz eram suas possibilidades de variação, pois ao se apresentar ao vivo, os músicos quase nunca tocavam uma música duas vezes, mas improvisavam com mudanças na melodia e no texto. O jazz permaneceu como a direção preeminente da música americana moderna dos anos 1920 aos 1940. Nas décadas de 1930 e 1940, a forma mais popular de jazz era o " Big Band Swing ", em homenagem aos grandes conjuntos liderados por Glenn Miller , Benny Goodman e William "Count" Basie .

No final dos anos 1940, o público começou a se entusiasmar com uma nova forma mais intelectual de jazz instrumental, o bebop . A era do rhythm & blues durou do final dos anos 1940 ao início dos anos 1960. Rhythm & Blues era uma combinação de jazz e outros estilos musicais com conteúdo lírico, gestos acústicos e o formato do blues. A fusão do rhythm & blues com a música country em meados dos anos 1950 deu origem ao rock and roll . Em meados da década de 1960, o rhythm & blues mudou para soul . Na década de 1970, muitos músicos de jazz experimentaram instrumentos musicais eletrônicos e alcançaram a fusão , uma mistura de rock e jazz.

Outro estilo musical fortemente influenciado pela tradição afro-americana tornou-se popular na década de 1960: uma mistura de rhythm & blues e gospel ficou conhecida como soul .

Rock, Country e Folk

No início da década de 1950, o jazz perdeu seu apelo para o público em geral. Uma nova forma de música moderna emergiu do rhythm & blues: rock and roll - canções com batidas fortes e letras provocantes. Para aproximar a nova música do público conservador, músicos brancos começaram a tocar rhythm & blues com uma batida menos forte e letras um pouco mais reservadas. No início de sua carreira, Elvis Presley também copiava cantores negros. Um de seus primeiros grandes sucessos, "Hound Dog", foi escrito pela cantora de blues Big Mama Thornton . Logo, porém, Presley estava cantando suas próprias peças, dadas a ele por uma nova geração de compositores de rock and roll.

A música folk urbana surgiu nas décadas de 1950 e 1960 . Foi baseado na tradição folclórica e country, que foi baseada em baladas da Escócia, Inglaterra e Irlanda e também foi gravada em discos nas décadas de 1920 e 1930. Uma jovem geração adotou esta tradição. Muitas vezes a atual situação política e social foi questionada nas canções, como Bob Dylan ou Joan Baez, por exemplo . Acima de tudo, a negação dos direitos civis aos negros americanos e o envolvimento dos americanos na Guerra do Vietnã foram acusados ​​em tais canções de protesto. A divisão entre entusiastas do rock e puristas folk tornou-se aparente quando Dylan foi vaiado no Newport Folk Festival de 1965 por tocar uma guitarra elétrica. No entanto, Dylan não se intimidou e houve uma mistura de rock e folk.

No final dos anos 1960 e início dos anos 1970, jovens músicos reintroduziram elementos country tradicionais na música rock. Em contraste com o blues, que não é mais popular nas camadas da população de onde se origina, a forma original da música country, especialmente o bluegrass , ainda é popular hoje como uma espécie de " música folclórica ", especialmente no sul dos Estados Unidos. Estados. A música country moderna desenvolveu-se na década de 1920 com o início do marketing comercial de música, aproximadamente ao mesmo tempo que a crescente migração da população rural para as cidades. Tornou-se um estilo de música popular, também internacionalmente popular, que, no entanto, ainda está muito conectado com a estética e os valores dos estados do sul dos Estados Unidos.

Musica hoje

Devido à sua complexidade e diversidade, dificilmente é possível dar uma descrição simples da cena musical contemporânea. Existem agora centenas de estilos de música. Surgiram novos estilos como folk , salsa , new wave , funk , reggae , heavy metal , punk , rap , hip-hop , acid jazz e world music .

Da discoteca , um estilo popular de dance music nos anos 1970 com ritmos repetitivos e baseados no soul e no funk , desenvolveu-se o Rap , o Hip-Hop e o House . O Rap foi criado por artistas afro-americanos e latino-americanos na cidade de Nova York em meados dos anos 1970. O rap e o hip-hop tiveram um impacto duradouro no cenário musical nas décadas de 1980 e 1990. Originário das favelas das grandes cidades, o rap substitui melodias cantadas por cantos falados ritmicamente poderosos e em sua maioria rimados, acompanhados por uma batida assustadora. O hip-hop usa muitas das mesmas características, mas é movido mais pela dança do que pela mensagem de texto. Ambos os estilos têm raízes afro-americanas, mas foram rapidamente escolhidos por artistas brancos e podem ser encontrados em todos os lugares atualmente.

Na década de 1990, surgiram vários estilos "alternativos" ou " independentes " de música, como o grunge . Techno , um estilo musical que também se tornou popular na década de 1990, combina ritmos disco-like gerados por computador com padrões digitais.

Na música popular contemporânea, os estilos individuais são muito misturados. Na era dos meios de comunicação de massa , especialmente rádio , televisão , CD e Internet , os diferentes estilos de música podem ser facilmente distribuídos e reproduzidos. Por um lado, a globalização leva a uma homogeneização de uma cultura de massa, por exemplo, através do canal de televisão de música MTV , mas também há uma infinidade de novas tendências diversificadas decorrentes do choque de várias influências musicais. Músicos de todo o mundo estão cada vez mais se orientando para outros estilos de música, mas também estão pegando suas tradições locais para se diferenciar da multidão. Um novo gênero, " World Music " surgiu. O termo se refere a estilos musicais étnicos que são adaptados aos hábitos de escuta ocidentais populares, por exemplo, misturando-os com estilos musicais ocidentais comuns.

dança

A dança teatral americana sempre foi inspirada por uma mistura de elementos nativos e importados. Durante os séculos 18 e 19, a dança acontecia predominantemente em ambientes privados e comunitários, raramente no teatro ou no palco. No entanto, a dança desempenhou um papel nas celebrações públicas, entretenimento e drama. O entretenimento teatral inicial também incluía danças folclóricas. Os historiadores tradicionalmente datam o surgimento da dança americana no final do século 19, quando as instituições e artistas locais se estabeleceram.

Até o século 20, os dançarinos só podiam trabalhar profissionalmente no palco popular - em music halls, como parte de travessuras e na variedade. Varietes exibiu sapateado e ponto, esquetes cômicos e de danças morais, times de adágio, danças de salão, dança de saia, dança artística ou interpretativa e apresentações especiais em diferentes estilos étnicos. E embora o primeiro balé nos Estados Unidos tenha sido executado em 1735 pelo professor de dança britânico Henry Holt, poucos estabelecimentos permanentes eram capazes de executá-lo até o século XX. O balé permaneceu um complemento de alto nível para outras formas de entretenimento ou ópera .

No início do século 20, os dançarinos europeus em turnê apresentaram pela primeira vez o balé clássico ao público americano. A década de 1930 foi uma época de experimentação. O balé americano foi fortemente influenciado pelas influências criativas e estéticas dos coreógrafos internacionalmente reconhecidos George Balanchine , Anthony Tudor e Jerome Robbins . Todos os três estavam associados a uma das duas companhias de balé líderes nos Estados Unidos, a School of American Ballet, fundada em 1934 e conhecida como New York City Ballet desde 1948, e o American Ballet Theatre, fundado em 1940. Hoje, a cena do balé americano é uma mistura de clássicos revividos e novos trabalhos.

O início do século 20 criou uma nova forma de arte exclusivamente americana - a dança moderna ( dança moderna ). Abrange uma variedade de dançarinos, coreógrafos e estilos de dança. O elemento de conexão consiste em uma certa abordagem e atitude, em vez de um estilo uniforme. A dança moderna, como meio de expressão holístico, permite ao artista projetar sua própria visão do mundo e expressá-la por meio de sua própria forma e presença física. Isadora Duncan foi uma das primeiras representantes do gênero , que substituiu os movimentos desestruturados pelas posições do balé clássico. A companhia de dança nova-iorquina de Martha Graham é provavelmente o expoente mais conhecido da dança moderna. Os coreógrafos posteriores buscaram novas formas de expressão. Com Merce Cunningham , foi a combinação de improvisações e movimentos aleatórios nas apresentações. Alvin Ailey integrou elementos da dança africana e da música negra. Coreógrafos como Mark Morris e Liz Lerman desafiaram a convenção de que dançarinos deveriam ser jovens e magros. Em sua opinião - e isso também se reflete em suas práticas de recrutamento e desempenho - movimentos graciosos e emocionantes não se restringem a uma determinada idade ou estatura corporal.

Mas talvez seja a costa oeste dos Estados Unidos, com sua influência particular nas franjas do Pacífico, onde a dança moderna encontrou atualmente seu desenvolvimento mais original. Patrick Makuakane , que trabalha em San Francisco e Los Angeles , acrescentou uma nova faceta ao mundo da dança havaiana do hula com sua companhia única Na Lei Hulu I Ka Wekiu. A Lily Cai Chinese Dance Company, também sediada em San Francisco, cria uma mistura americana única de cenários tradicionais chineses, pop internacional e dança pós-moderna inovadora. Robert Moses é o expoente mais jovem e inovador da tradição afro-americana. Sua empresa, Robert Moses 'Kin, mistura jazz, blues, rap lírico e a linguagem da rua com movimentos casuais e uma sintaxe pós-moderna estrita em novas obras, que juntas mostram um trecho da vida afro-americana, transmitem uma mensagem universal da dança e, talvez acima de tudo, são uma experiência teatral envolvente.

teatro

O início do teatro americano é tradicionalmente datado com a chegada da Trupe Inglês de Lewis Hallam em Williamsburg em 1752. Após a Guerra da Independência , as artes teatrais se expandiram lentamente. Os teatros foram construídos em Charleston com o primeiro edifício do teatro (Dock Street Theatre), Filadélfia , Newport , Nova York e Boston . O então maior teatro dos Estados Unidos, o Stanley Theatre foi inaugurado em 24 de março de 1928 em Jersey City .

Os teatros eram muito difundidos no início do século 19 e as duas décadas antes e depois da virada do século podem ser descritas como os anos dourados do teatro. Na segunda metade do século XIX, os teatros ofereciam um leque mais diversificado e ao mesmo tempo especializado. O público pode escolher entre teatro clássico, balé, variedade, posse e ópera. Variete se desenvolveu na segunda metade do século XIX. Desde o início dos anos 1940, o gênero muito popular de shows de menestréis surgiu, em que atores feitos por negros parodiaram os estereótipos afro-americanos. Entre as décadas de 1880 e 1930, a variedade com sua mistura de música, comédia, novos números e sátira atraiu grande número de espectadores.

O desenvolvimento do filme mudou a cena do teatro e, no início dos anos 1920, o teatro havia perdido seu público de massa. Mesmo que Hollywood retirasse seu grande público do teatro, esse desenvolvimento também permitiu que os cinemas mostrassem seus pontos fortes. O início do século 20 viu uma virada para o drama sério e a arte cênica inovadora. Durante a Grande Depressão , uma consciência social e política nunca antes vista foi mostrada no palco. A opressão de trabalhadores e imigrantes foi denunciada publicamente (ver Grande Depressão ). Nas décadas de 1960 e 1970, grupos fora e fora da Broadway fizeram comentários políticos (por exemplo, MacBird, 1967).

O palco musical do século 20 é a exportação de teatro de maior sucesso do país. O teatro é acompanhado por música desde os tempos coloniais, mas as obras nativas só surgiram na década de 1780. The Black Crook , o primeiro musical americano, foi apresentado em 1866 . Canto, dança e entretenimento foram transplantados para uma peça folclórica existente. No final do século 19, a cena musical americana abrangia um grande número de gêneros: operetas, musicais temáticos e revistas que tinham suas raízes nos " shows de menestréis ". Após a Primeira Guerra Mundial, uma era de ouro começou para a Broadway. Embora a dança sempre tenha feito parte do musical , foi somente na década de 1930 que ela se tornou mais associada à história que estava sendo contada. A dança é parte integrante da história desde a produção de West Side Story em 1957. Os artistas agora precisam cantar, dançar e atuar - um talento triplo é essencial para a maioria dos shows. O rock 'n' roll, no entanto, derrubou a Broadway como um criador de tendências para a música pop americana.

Hoje, o teatro americano pode ser dividido em três categorias. Por um lado, as produções da Broadway continuam, e muitas das cerca de 50 novas peças por temporada são apresentadas pela primeira vez no New York City Theatre District. Com o passar dos anos, a cena teatral de Nova York também desbravou novos caminhos, conhecidos como "Off-Broadway" e "Off-Off-Broadway". Esses shows acontecem em pequenos palcos, mas podem acompanhar as melhores performances da Broadway para habilidades profissionais. Por outro lado, muitos bons teatros regionais produzem as melhores novas produções. Eles são mantidos por empresas, fundações e pelo governo e, para alguns críticos, os teatros regionais são a maior esperança do teatro americano. Terceiro, as universidades apoiam programas de teatro.

Houve um tempo em que novas peças americanas normalmente estreiam na Broadway. Por vários anos, entretanto, tem havido uma troca saudável entre teatros comerciais e seus equivalentes não comerciais, freqüentemente chamados de teatros residentes ou regionais, na promoção de novas peças americanas. Algumas peças novas começam no setor comercial e vão para os teatros regionais não comerciais, outras vão na direção oposta. Esses dois ramos da indústria teatral americana, que estão sempre em busca de novos produtos, agora se enriquecem na mesma medida.

Na verdade, o velho preconceito dos produtores comerciais que, como empresários, buscam apenas o menor denominador comum em entretenimento, não é mais inteiramente verdadeiro. Hoje em dia, muitos produtores comerciais também são entusiastas do teatro em busca de um trabalho novo e progressivo. E eles estão prontos para apoiar jogadas arriscadas que despertem seu interesse. Os musicais ainda podem dominar a Broadway, mas também estão gerando algumas grandes novas peças americanas.

Filme

“Imagens em movimento” podem não ser uma invenção americana, mas são a mais notável contribuição americana para o entretenimento global. No início do século 20, quando esse meio ainda era muito novo, muitos imigrantes encontraram emprego na indústria cinematográfica americana . Eles poderiam fazer fortuna em um novo negócio: exibindo curtas-metragens em cinemas, os Nickelodeons , que receberam o nome de sua taxa de entrada, um níquel (5 centavos). Depois de apenas alguns anos, muitos homens ambiciosos como Samuel Goldwyn , Carl Laemmle , Adolph Zukor , Louis B. Mayer e os Warner Brothers (Harry, Albert, Samuel e Jack) voltaram-se para o lado da produção deste negócio. Logo eles se tornaram chefes de um tipo completamente novo de empresa: os estúdios de cinema . Os estúdios mais importantes ficavam em Hollywood , um bairro de Los Angeles, na Califórnia . Lá, em Los Angeles, foi inaugurado em 1902 o "Electric Theatre", o primeiro cinema dos Estados Unidos.

Durante a chamada Era de Ouro de Hollywood das décadas de 1930 e 1940, os estúdios produziam cerca de 400 filmes por ano, que eram assistidos por 90 milhões de americanos todas as semanas. A produção cinematográfica era um grande negócio e a indústria cinematográfica ganhava dinheiro com o que era conhecido como sistema de estúdio . Os grandes estúdios de cinema tinham milhares de funcionários em sua folha de pagamento e possuíam centenas de seus próprios cinemas em todo o país - cinemas que exibiam seus filmes e continuavam exigindo suprimentos. É notável a quantidade de entretenimento de alta qualidade criado em um processo tão organizado. Uma razão para isso pode ser que, devido ao grande número de filmes produzidos, nem todos tiveram que ser um grande sucesso.

O sistema de estúdio teve que ceder a duas influências no final dos anos 1940: (1) uma medida antitruste do governo dos Estados Unidos que separou a produção de filmes da exibição de filmes e (2) o nascimento da televisão . O número de filmes feitos caiu drasticamente, embora o orçamento médio tenha disparado porque Hollywood queria oferecer ao público algo que eles não podiam ver na TV. Hollywood continua contando com filmes de sucesso. Por causa dos gastos gigantescos com honorários de atores, gestão de estúdio e agentes, os filmes hoje são grandes sucessos de bilheteria ou um fracasso total, dependendo de quanto os imensos gastos coincidam com o gosto do público.

A produção cinematográfica americana experimentou um renascimento incrível do final dos anos 1960 ao final dos anos 1970. Em quase nenhum outro momento os diretores americanos influenciaram tanto as experiências e os valores de seus espectadores com seus filmes. Parte da razão para esse renascimento foi que, com o surgimento de uma contracultura, os grandes estúdios de Hollywood não tinham certeza de quais filmes seriam lucrativos ou o que os jovens espectadores, que cresceram na década de 1960, queriam ver. Muito dessa inventividade cinematográfica parecia estar desaparecendo na década de 1980.

Embora os filmes dos últimos 15 anos tenham sido financiados principalmente por Hollywood, eles são extremamente "fora do comum", isto é, estranhos, e testemunham a diversidade da arte cinematográfica americana. Uma razão importante para esse ecletismo é a influência de estúdios parcialmente independentes e financeiramente fortes, como a Sony Pictures Classics e a DreamWorks , que se especializam na produção e distribuição de filmes de vanguarda . E nenhum estúdio é influente e bem-sucedido na promoção de filmes inovadores americanos e estrangeiros como Miramax de Harvey Weinstein .

Portanto, embora os filmes americanos sejam, sem dúvida, comerciais, o desejo de lucrar não contradiz por si só o desejo de fazer um filme original e provocativo. De fato, alguns dos filmes americanos mais memoráveis ​​dos últimos 40 anos, de O Poderoso Chefão a As Horas , tiveram tanto sucesso comercial quanto demandas artísticas.

Promoção das artes

Não existe um departamento central de educação nos Estados Unidos que dite a política cultural nacional. Esse fato reflete a crença de que existem áreas importantes da vida social onde o governo deve desempenhar pouco ou nenhum papel. As duas fundações nacionais para as artes e humanidades - National Endowment for the Arts (NEA) e National Endowment for the Humanities (NEH) - apoiam artistas e cientistas individuais, bem como instituições que atuam nas artes e humanidades com bolsas. Embora o orçamento da NEA, que era de US $ 115 milhões em 2003, seja relativamente modesto em comparação com o financiamento de outros países, as doações privadas sempre constituíram a maior parte do financiamento cultural. Essas doações privadas foram estimadas em aproximadamente US $ 12,1 bilhões em 2002. Durante seu 40º aniversário, a NEA usou seus fundos para incentivar doações privadas para dar a todos os americanos acesso às artes e humanidades.

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