História do design
A história do design denota a história do design de produto e começa com a produção em massa de bens de consumo na sociedade industrial em meados do século XIX. Ele também cobre a história dos gráficos e outras áreas do design.
Os primeiros designers
A história pré-industrial não tem designer. Somente com o desenvolvimento da produção em massa surgiu a necessidade de fabricar um protótipo . Esta nova tarefa foi assumida principalmente por artistas. Eles tinham a imaginação espacial necessária e também sabiam o gosto dos clientes agora anônimos. Na Inglaterra, berço da indústria, a nova profissão foi chamada de "modelador". Um dos primeiros expoentes da profissão foi John Flaxman , um conhecido escultor londrino que trabalhou para a fábrica de louças Wedgwood . As origens de Flaxman no sul nobre e seu local de trabalho no esfumaçado norte da Inglaterra já simbolizam a dicotomia da nova profissão.
Por volta de 1840, cerca de 500 desses trabalhadores estéticos trabalhavam em Manchester, o centro da indústria têxtil. No setor moveleiro, na mesma época, o alemão Michael Thonet se tornou um pioneiro do design industrial. O designer, emergindo da divisão do trabalho, é um criativo que deve se submeter ao sistema fabril. Os ramos das artes aplicadas, artes e ofícios, artes e ofícios e a indústria das artes emergiram da posição intermediária entre os mundos opostos da arte e da indústria. As contradições nele contidas persistem, mas são menos conscientes hoje devido ao conceito aparentemente uniforme de design.
O perfil profissional do designer vai desde o funcionário anônimo de uma produtora até personalidades independentes e excêntricas como Philippe Starck ou Luigi Colani , que se comportam e são celebrados como pop stars. A descrição do trabalho pouco clara ainda é evidente hoje no grande número de "entrantes laterais".
Os primeiros designers incluíam não apenas pintores e escultores, mas também artesãos (como Thonet), mais tarde arquitetos, designers de interiores e engenheiros, bem como especialistas em publicidade, diretores e cenógrafos. Esse caráter aberto e interdisciplinar sempre foi uma característica da nova disciplina. Quando o famoso departamento de design da empresa elétrica alemã Braun foi fundado em meados do século 20, a equipe consistia inicialmente de representantes dos grupos profissionais mencionados acima. A grande importância do projeto foi, entre outras coisas. no facto de a gestão da empresa ter garantido pela primeira vez a independência dos designers industriais - sobretudo perante os seus próprios técnicos. O papel do intermediário também se reflete na importância central da relação entre empresário e designer. Talvez este seja um dos segredos do design italiano, para o qual um cânone fixo é bastante estranho, que sempre foi capaz de criar duplas empreendedor-designer bem harmoniosas.
Reforma dos Românticos
O que a implantação das belas-artes produziu no salão da fábrica geralmente não resistia ao escrutínio crítico. Na Grã-Bretanha, onde a industrialização estava no auge, as críticas também costumavam ser altas. Em meados do século 19, o Journal of Design apareceu em Londres , a primeira revista a incluir o termo em seu título e enchê-lo de ideias de reforma. Henry Cole , seu editor ativo, polemizou contra as "aberrações de gosto dos designers modernos". A era da máquina aumentou imensamente a quantidade de mercadorias, mas não produziu um estilo próprio. Um entregou-se ao saque de modelos históricos. A cidade e o apartamento tornaram-se o pano de fundo do teatro . Na época Cole desenvolveu a ideia didática de uma mostra internacional de produtos de diversos países. O plano se tornou a Grande Exposição em 1851 . Portanto, a primeira exposição mundial foi um projeto de design. Isso, por sua vez, levou ao Victoria & Albert Museum em Londres, o arquétipo de todos os museus de arte e artesanato e design.
Naquela época, a Inglaterra estava passando por uma recessão econômica que abalou a crença no novo sistema econômico. O design de bens industriais de repente apareceu como um fator importante para o bem-estar do país. A primeira experiência de reforma de design vinda de cima não foi particularmente bem-sucedida. O arquiteto Gottfried Sempre , que emigrou da Alemanha e, como outros, considerou malsucedida a maioria das exposições da Grande Exposição , resumiu suas impressões em uma “estética prática” na qual proclamou uma “nova arte” que aceitava a mecanização e “Formas puras”. Este programa, que foi implementado pela primeira vez na primeira metade do século seguinte, é considerado o início do design industrial moderno .
Na segunda metade do século 19, um grupo de artistas se formou em torno de William Morris na Inglaterra . Isso tornou o capitalismo responsável pela feiura de seu tempo e queria retornar ao modo de vida e trabalho pré-industrial. A Idade Média era o seu ideal. Os partidários desse movimento alternativo, logo após uma de suas exposições intitulada Arts and Crafts , fundaram guildas e colônias de artistas. Morris conseguiu desencadear uma rebelião romântica com sua crítica à alienação e - como Karl Marx - espalhar sua visão anticapitalista internacionalmente. O Studio , a revista do grupo, logo se tornou leitura obrigatória para artistas cansados da civilização.
Arts and Crafts - em outras palavras, artesanatos - inspiraram a busca pelo "real e honesto". Na Inglaterra, houve então uma notável reabilitação da embarcação. No clima de busca, as convenções derreteram. A reforma do design e a arte de vanguarda que surgia ao mesmo tempo se sobrepunham. Esses foram os melhores pré-requisitos para o tipo de inventor inovador, personalidades artísticas como Peter Behrens , Josef Hoffmann , Charles Rennie Mackintosh , Henry van de Velde ou Frank Lloyd Wright . Eles criaram “obras de arte totais”, um ideal que prevaleceu na Art Nouveau e que um z. B. aspirava ao projeto no Mathildenhöhe em Darmstadt.
Surgimento do design moderno
Na Alemanha, as subculturas que deram origem à reforma de vida , com fenômenos tão diversos da modernidade foram conectadas como dança expressiva , pássaros migratórios , alimentos orgânicos , nudismo e, até mesmo, design moderno. Com base no modelo inglês, as “oficinas” se formaram por volta de 1900 em vários centros artísticos que buscavam reformar a vida com móveis novos e de design simples. Provavelmente, a prática mais bem-sucedida disso foi o que mais tarde se tornou o Deutsche Werkstätten em Dresden (também era onde o grupo de artistas “ Die Brücke ” estava baseado), cujo designer mais empregado era Richard Riemerschmid . Seu simples “mobiliário de máquina” não apenas representou a tentativa inicial de conciliar o design artístico com a produção industrial, mas também vendeu muito bem. "New living" made in Germany recebeu alguma atenção em exposições em vários países. Portanto , o design de móveis desempenhou um papel fundamental desde o início do design industrial moderno . Em conexão com o movimento de oficinas, o estabelecimento de outras instituições, por ex. B. 1926 as escolas de fábrica de Colônia dirigidas por Riemerschmid podem ser vistas. A mais importante era a alemã Werkbund , uma organização nacional de bom design que foi exemplar internacionalmente. Uma das figuras-chave foi o membro fundador Peter Behrens. Ele finalmente foi capaz de colocar suas convicções em prática como “conselho consultivo artístico” da companhia elétrica AEG , redesenhando completamente seus produtos e aparência. Este é considerado o primeiro exemplo de uma identidade corporativa moderna .
O funcionalismo do modernismo clássico
Também a Bauhaus , cujo manifesto de fundação revela claramente o espírito da Arte e dos Ofícios , é inconcebível sem o movimento das oficinas, mas também não sem o colapso da sociedade guilhermina e o pathos revolucionário do período pós-guerra. Provavelmente a escola de design mais famosa, cuja força de trabalho provém do meio artístico, alcançou importância universal, principalmente por causa de sua internacionalidade. O primeiro diretor Walter Gropius teve a capacidade de inspirar talentos para o projeto, entre eles os húngaros Marcel Breuer e Lázló Moholy-Nagy , o russo Wassily Kandinsky e o austríaco Herbert Bayer . Um impulso decisivo veio da Holanda. Lá, o grupo de artistas De Stijl lidou com a transferência de ideias construtivistas para a arquitetura. Quando seu teórico principal, Theo van Doesburg, deu palestras sobre “design radical” na Bauhaus de Weimar, a faísca se acendeu. Fala-se agora de "desenho industrial". A Bauhaus tornou-se um laboratório de experimentos de design e a primeira universidade para design moderno, embora este termo não tenha sido usado. Os professores se autodenominavam " mestres da forma ".
Móveis e decoração voltaram a ser o foco de interesse. Marcel Breuer foi inspirado pelos designs de seu colega holandês Gerrit Rietveld para fazer montagens de salas muito semelhantes antes de introduzir o idioma da máquina na sala de estar com móveis de aço tubular e, assim, desencadear uma avalanche. Prevaleceu a afirmação da produção industrial, também propagada pela Werkbund, e a restrição às formas básicas mais simples (como já havia sido reivindicado por Gottfried Sempre). A Bauhaus não foi de forma alguma um fenômeno isolado. A Nova Objetividade , ainda assunto de vanguarda em meados da década, era o estilo dominante da época na Alemanha já em 1930. O Weißenhofsiedlung em Stuttgart representa a rápida disseminação do movimento que agora é chamado de “modernismo clássico” e que é amplamente definido politicamente. Muitos de seus representantes se viam como socialistas.
Muito menos artístico e formal do que a Bauhaus foi o projeto New Frankfurt , que, por exemplo, revolucionou a cozinha embutida com a cozinha de Frankfurt . As implementações estruturais eram muito mais sociais do que o Weißenhofsiedlung em Stuttgart.
Na França, o estilo Art Déco também existia ao lado do funcionalismo .
Quando os nacional-socialistas chegaram ao poder na Alemanha, baniram a Bauhaus e impuseram proibições ocupacionais a judeus e vanguardistas, muitos dos quais emigraram, inclusive. para os EUA, onde lecionaram no Black Mountain College . A partir daqui, houve um grande impacto na arte contemporânea americana e nas artes e ofícios. No entanto, alguns modernistas, incluindo alunos da Bauhaus, conseguiram continuar trabalhando. Semelhante à Itália, o regime oscilou em sua linha estética entre conservadorismo e modernismo.
Desenho industrial nos EUA
O tipo de designer moderno emergiu duas vezes em lados diferentes do Atlântico, sob signos opostos. Enquanto o modernismo clássico foi programaticamente orientado, uma variante comercial se desenvolveu na mesma época nos EUA: o design industrial . O capitalismo americano tornou-se a primeira sociedade de consumo no início do século XX. Além de novos métodos de vendas, como vendas pelo correio e supermercados, havia uma série de produtos inovadores. Seu design atraente entrou em foco quando os sintomas de superprodução começaram a aparecer em meados da década de 1920. A indústria automobilística se tornou pioneira. Em 1926, a General Motors criou um departamento de "Arte e Cor", que aumentou as vendas por meio de modelos regulares de cosméticos, mais tarde chamados de styling. Empresas de outros setores adotaram o método. Este foi o primeiro mercado de trabalho para designers industriais.
Os homens da primeira hora incluíram Henry Dreyfuss , Norman Bel Geddes , Raymond Loewy , Walter Dorwin Teague e Russel Wright . Suas experiências profissionais eram surpreendentemente consistentes. Teague e Geddes vieram da publicidade, assim como Loewy, que também trabalhou como decorador. Dreyfuss, Geddes e Wright, que se conheciam pessoalmente, fizeram carreira como cenógrafos na Broadway . Os primeiros designers da América, que eventualmente uniram forças na Industrial Designers Society of America (a primeira associação profissional de sua guilda), eram "artistas comerciais", talentosos artesãos de sugestão visual . A simplificação tornou - se seu estilo preferido . Na recessão da década de 1930, era considerada a cura milagrosa. Quando Loewy criou uma geladeira "simplificada" para a rede de lojas de departamentos Sears , melhorou cuidadosamente as funções operacionais do interior e dobrou as vendas em um ano, tornou-se um evento nacional. A geladeira copiada de Loewy se tornou um ícone do estilo de vida ocidental. No início do design industrial americano, um pragmatismo incondicional, estritamente comercial, foi combinado com um talento altamente desenvolvido para o teatro. Desse modo, não só foi criado quase todo o inventário da sociedade de consumo, mas também um considerável estoque de mitos . Ela se manifestou em 1939 na Feira Mundial de Nova York, que foi amplamente modelada pelos designers mencionados, mas na qual z. Por exemplo, os escandinavos com sua linguagem de design “orgânica” também receberam grande atenção pela primeira vez.
Desde o início dos anos 1930, o Museu de Arte Moderna de Nova York atuou como porta-voz do modernismo clássico, fortemente influenciado pela Alemanha, para o qual o nome International Style , derivado de um título de exposição , foi usado. Isso ganhou importância quando, no final da década de 1930, quase toda a elite da Bauhaus emigrou para os EUA e, como professores, difundiu a teoria radical da forma.
História da palavra
Em 1950, após uma viagem à América durante a qual conheceu a elite do design da nação industrial líder, o sueco Sigvard Bernadotte fundou um escritório de design industrial em Copenhague, provavelmente a primeira empresa fora dos EUA a ter este nome e também a adaptar o modelo de agência. Dois anos depois, Raymond Loewy, nascido na França, abriu uma filial em Paris. O americanismo não esperava de seus conterrâneos na época. Ele chamou a empresa Compagnie de l'Estétique Industrielle .
O termo design também foi reimportado para o lugar de onde realmente veio, a saber, a Grã-Bretanha. Em inglês, a palavra, que é emprestada do sinônimo francês dessin e originalmente derivada do latim designare ou italiano disegno , se espalha em uma série de significados relacionados, como design, desenho, esquema e padrão, mas também é usada para construção em termos técnicos, o sentido utilizado tanto quanto pelo seu oposto, a decoração. O design pode ser entendido como um processo ou como o produto que dele surge. Muitas vezes, isso não está nitidamente separado. Como se isso não bastasse para mal-entendidos, mais alguns significados foram adicionados à abstração cintilante de sua história. Por muito tempo, ele era conhecido apenas por especialistas de fora do mundo de língua inglesa e só se tornou uma linguagem comum no mundo ocidental na década de 1980.
O funcionalismo tardio, a boa forma
A ideia de utilizar o museu como instituto de formação do gosto tem origem no século XIX e foi assumida pelas potências ocupantes no pós-guerra como método educativo "para os alemães corrompidos pela ditadura". A instituição de design mais importante após a Segunda Guerra Mundial, a Ulm School of Design , foi uma tentativa de reeducação cultural e só funcionou com o milhão que o Alto Comissário americano disponibilizou. Max Bill, seu arquiteto e primeiro diretor, conseguira em 1949 montar uma exposição sobre o tema “ boa forma ”. Numa época em que as cidades alemãs ainda estavam em ruínas e os pensamentos giravam em torno de se você comeria ou não algo no dia seguinte, um idealismo surpreendente. Isso foi compartilhado por numerosos intelectuais alemães que ansiavam por um novo começo e que, como o físico Werner Heisenberg e o escritor Carl Zuckmayer , apoiaram o projeto. A nova universidade se via explicitamente como uma reencarnação da Bauhaus. Tal como acontece com o famoso modelo - e anteriormente com o Deutsche Werkstätten - a suposição era que o ambiente projetado era uma parte integrante do currículo. O prédio da universidade com suas grandes janelas e paredes esparsas de concreto - o arquiteto era Max Bill - exalava exatamente aquele purismo que mais tarde emergiu nos produtos. Através da cooperação com a empresa elétrica Braun , cuja aparência e produtos foram redesenhados em meados da década de 1950, os princípios do Ulm puderam ser colocados em prática pela primeira vez. O designer gráfico Otl Aicher e o designer de produto Hans Gugelot foram os jogadores-chave. Mas também havia outros modelos, como o fabricante italiano de máquinas de escritório Olivetti , cujo departamento de publicidade era tão inovador quanto os produtos projetados principalmente pelo arquiteto Marcello Nizzoli .
Os economicamente poderosos Estados Unidos, sobretudo o casal Ray e Charles Eames, deram o estilo . Mas os perdedores da guerra, Alemanha e Itália, e não menos Escandinávia, também deram um forte impulso. Desde 1954, a exposição “Design in Scandinavia” viajou por toda a América do Norte por vários anos. Talvez a campanha de design de maior sucesso de todos os tempos, levou a uma série de outras exposições sobre o mesmo tema. Nenhum país importante foi deixado de fora. Até então, nem Arne Jacobsen nem Bruno Mathsson teriam pensado em se autodenominar designer. De repente, em demanda internacional, os escandinavos se viram em casa como arquitetos, artistas, artesãos ou designers. Com a criação da palavra "design escandinavo" foram declarados designers. Os nomes mais antigos começaram a desaparecer gradualmente. O artesanato escandinavo, do qual se tratava essencialmente, incorporava qualidades que se aproximavam do que agora era entendido na América como “bom design” - a contrapartida de “boa forma”. Como o Museu de Arte Moderna organizou uma série de exposições sob esse título, a ideia do estilo "clássico" definitivo na forma de funcionalismo de proveniência nórdica penetrou nos salões da classe média pela primeira vez. A nova política de esclarecimento também foi apoiada pelos Design Councils, que se basearam no modelo americano em quase todos os países ocidentais. Acima de tudo, aqueles países que descobriram a exportação de mercadorias bonitas e caras para os EUA como forma de melhorar sua balança comercial, fizeram uso da nova terminologia. Então aconteceu que na Dinamarca as pessoas só falavam de "Danish Design" e "Bel Design" era executado na Itália. O design tão americanismo comum quanto o conhecemos hoje foi um termo de marketing introduzido na década de 1950 que entrou em uma questão semântica com a mentalidade de melhoria funcionalista do mundo. O Conselho de Design dos Estados Unidos resumiu isso em um slogan: Bom design e bons negócios .
Pós-moderno
Quando o grupo Memphis demonstrou seus objetos estranhos pela primeira vez em 1981, o público inicialmente perplexo logo reagiu como se estivesse esperando por essa bochecha há muito tempo. Houve alguns críticos que dificilmente puderam lidar com o desrespeito. Mas no final das contas houve um consenso geral: Memphis varreu os últimos tabus da história do design como uma tempestade purificadora - semelhante ao punk na música pop. A resolução de que o design existe para a eternidade foi arquivada (e, na melhor das hipóteses, armazenada no nicho da “sustentabilidade” ecológica).
.jpg)
Em vez disso, prevaleceu a superficialidade e o ecletismo desenfreado . Mesmo que em última análise se tratasse apenas da "Grande Fraude do Design", foi um ponto de inflexão há muito assinalado: no design pop de plasticina dos anos 1960, em obras como as de Gaetano Pesce , um desertor da arte que O princípio do prazer definiu de novo, mas sobretudo no movimento de protesto do “Design Radical” que se inflamava no underground italiano e que insultava o funcionalismo como ideologia. Em uma época em que o anti-capitalismo era um bom tom moral entre as pessoas criativas, o design também não podia sair ileso. O resultado foi uma experiência romântica de déjà vu : enquanto o artesanato também foi condenado como um luxo burguês supérfluo, por outro lado, a autorrealização estava no topo da lista de valores dos jovens céticos. Muitos, portanto, encontraram no artesanato - como um William Morris - a chave para um mundo melhor.
Mas nem o capitalismo nem o design foram acabados. Pelo contrário: os anos 1960 desalinhados e anti-autoritários apenas abriram as comportas. O inconformismo e a cultura pop criaram a base para algo realmente novo: o consumo de estilo de vida . No curso de um hedonismo sem precedentes , as marcas de design avançaram para símbolos de status , de designers para estrelas pop e seu trabalho o emprego dos sonhos da geração MTV . O design finalmente entrou no vocabulário mundial. Os pontos fortes da Itália que a tornaram o país líder do design foram, não menos importante, os empresários que mereciam esse nome e que reforçaram o design do autor com uma equipe de criação estrangeira (o mentor do Memphis e chefe da Artemide Ernesto Gismondi é apenas um exemplo). Onde não apenas tudo é permitido e há muito tempo nos acostumamos a explorar os estilos com prazer, a indústria e a vanguarda também podem se fundir casualmente.
Um país onde isso está na agenda do governo é a Grã-Bretanha. Durante a baixa década de oitenta, a “indústria criativa” foi declarada o novo motor do produto nacional bruto. De mega agências com centenas de designers de gravata e colarinho a surfistas de estilo como Neville Brody que pega seu material na rua, de Jasper Morrison , o guru da nova simplicidade, a Ron Arad, provavelmente um dos mais proeminentes “designers -makers ”. Este é o nome dado a esses lutadores solitários que, principalmente com sutileza artística, reciclam cenários da civilização e são conhecidos por sua atitude recalcitrante em relação à indústria que deram um impulso à inovação.
Os britânicos estabeleceram Londres - ao lado de Milão - como uma metrópole do design e a feira anual 100% Design um projeto de sucesso. Seguiu-se o neo-escandinavo e, finalmente, a França, onde a geração após Starck teve sucesso internacional. Nova York, onde uma milha do design surgiu no final da década de 1990, ganhou Karim Rashid, um novo príncipe do design na tradição de Raymond Loewy. Certamente não é coincidência que ambos sejam emigrantes. A rede internacional que sempre determinou o design se aproximou ainda mais na era do jato e da Internet. Isso também se reflete na distribuição mundial do design do autor , que o fabricante de produtos de metal Alessi uma vez apresentou. De acordo com o sistema de coros de ópera, a elite internacional do design está comprometida. Ao mesmo tempo, o design também penetrou no consumo de massa.
A extensa digitalização do processo de design do modelo à ferramenta de produção acelerou o carrossel de estilo. Seja na indústria automobilística, eletrônica ou de móveis, uma série de modelos em uma variedade e frequência sem precedentes agora está desafiando os consumidores. Isso também tornou possível a onda de reedições. O que o antepassado de todos os pós-modernistas, Josef Frank, já sabia durante a era Bauhaus, parece ser verdade: “Qualquer estilo que usarmos é irrelevante. O que a modernidade nos deu é a liberdade. "
Veja também
literatura
- Peter Benje: Carpintaria mecânica. A sua introdução e os efeitos nas formas de negócio, produtos e produção do comércio de carpintaria durante o século XIX na Alemanha. Darmstadt 2002. Online: https://tuprints.ulb.tu-darmstadt.de/143/
- Kathryn B. Hiesinger e George H. Marcus: Marcos do Design do Século XX . Abbeville Press, New York 1993. 431 pp. ISBN 1-55859-279-2
- Bernd Polster: Você também pode sentar nele? Como funciona o design . Dumont Buchverlag, Cologne 2011. 248 páginas, ISBN 978-3-8321-9365-2
- John A. Walker: História do Design - Perspectivas de uma Disciplina Científica . scaneg Verlag, Munich 2005. 242 páginas, ISBN 3-89235-202-X
- Gert Selle: História do Design na Alemanha . Frankfurt / Main e Nova York, Campus Verlag, 1994, ISBN 3-593-35154-4
- Bernhard E. Bürdek: Design: história, teoria e prática do design de produto . Cologne, DuMont Buchverlag, 1991, ISBN 3-7701-2728-5
- Bühler, Peter et al.: Design history: Epochs - Stile - Designtendenzen , Wiesbaden, Springer, 2019. ISBN 978-3-662-55509-5 , online
Evidência individual
- ^ Frank Wagner: O valor do projeto. O impacto e o valor do design no século 21. 1ª edição. Verlag Hermann Schmidt, Mainz 2015, p. 19-21 .